Takuya Kuroda.


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Reflexiones de un héroe.


Pablo Prieto nos trae su segunda entrega en la sección de fotografía. Una imagen tomada en el Museo Erasto Cortés. Pablo la ha titulado: Reflexiones de un Sigue leyendo

Los Antiguos.


Los Antiguos, se han caracterizado por tocar un Stoner con mezcla de Hard Rock, el cual serviría para conducir un auto a toda velocidad en una carretera desierta. Hoy el Eduardo Hernández nos trae Sigue leyendo

Entrevista a Jesús Pérez Ortiz.


Jesús Pérez Ortiz es estudiante de maestría en física en la BUAP, impartió la conferencia "Agujeros negros primordiales" en la prepa Alfonso Calderón. Lorena Victoria platicó con él para hablar sobre Sigue leyendo

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Etgar Keret: Pizzeria Kamikaze y Otros Relatos

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Portada de Pizzería Kamikaze, imagen cortesía de Marina Gavito

Portada de Pizzería Kamikaze, imagen cortesía de Marina Gavito

 

Por Marina Gavito

 

Los países del medio oriente se caracterizan por darnos, casi a diario, una serie de noticias sangrientas o de vivir en un constate vaivén político y social, pocas veces recibimos noticias de ellos que no sean acera de esos temas pero debemos de recordar que ahí también habitan personas, que tienen una rutina, que usan celular que salen con sus amigos y algunos que también escriben, igual que en este lado del mundo.

Hablar de literatura israelí es algo extraño y poco común, el autor del que les hablaré ahora es Etgar Keret (1967-), uno de los jóvenes escritores más reconocidos en Israel, comenzó a escribir en 1992, sus cuentos han sido a adaptados a más de cuarenta cortometrajes y su novela Extrañando a Kissinger, fue nombrada uno de los cincuenta libros más importantes en la literatura israelí.

El absurdo es el tema imperante en los relatos de Keret, el primero, “Historia de un conductor de autobús que quería ser dios”, es un breve relato, pero de muy largo título, sobre un conductor que ejerce, por medio de una lógica impecable, una pequeña tiranía sobre los viajeros. “El deschabete de Nirmod”, es uno de los más curiosos y divertidos relatos, en dónde la locura se turna en un grupo de tres amigos, cuando caen en la cuenta de que ésta funciona de manera lógica, comienzan cuidarse y al poco tiempo descubren que la causa puede ser una tragedia sucedida hace años. Actitudes descaradas, gula, alucinaciones y espiritismo se conjugan en un relato ágil y que nos da una sensación de que puede pasar en cualquier momento en nuestro cuerdo y lógico mundo.

“El coctel del infierno”, pequeño relato de amor en dónde los habitantes de un pequeño poblado reciben visitas de los condenados en el infierno, los cuales tienen permitido salir una vez cada cien años durante un día; la muerte y las reglas conocidas en el mundo occidental sobre ella, son transgredidas para ponernos ante un mundo dónde hay vida después de la muerte y al parecer no tan cruel como lo solemos pensar.

¿Qué hacemos ante algo hermoso y digno de ser llamado arte? Usualmente lo ponemos en un museo para que sea visto y ¿si eso que llamamos arte resulta ser un útero? Eso sucede en el cuarto relato del libro; un niño relata como el útero de su madre es elevado al rango de obra artística, se puede considerar una crítica a que hoy en día hemos perdido el concepto del arte y casi cualquier cosa lo es. Además de esto podemos ver ciertas ideas sociales y de convivencia entre el hombre y la mujer.

Al final del libro nos encontramos con la novela breve Pizzería Kamikaze. Hain, un joven suicida nos da cuenta de su vida después de la muerte, poco después de su suicidio aparece en un mundo muy similar al mundo de los vivos, así que se ve en la necesidad de buscar un trabajo precisamente en la Pizzería Kamikaze, poco apoco va encontrado rehaciendo su rutina y consigue un amigo: Ari Galfend, el cual conoce a un joven y suicida músico de los años noventa, la rutina se apodera de la vida Hain, mientras que su amigo Ari hace un reencuentro familiar, muy poco común en ese mundo debido a que ahí sólo llegan los suicidas o los que tuvieron una muerte accidental.

Cuándo Hain se entera de que su novia también ha llegado a ese mundo decide buscarla, acompañado de Ari rumbo a un mundo enorme y basto en donde las almas suicidas viven. Los prejuicios de la vida terrenal no desaparecen del todo, ni los vicios y al encontrarse con un cantinero que alguna vez funcionó como bomba humana nos presenta la triste realidad en la que ninguna de sus setenta vírgenes le hace compañía.

Mientras avanzan en la larga carretera se topan con una chica convencida de que su muerte fue un accidente, poco rato después se encuentran a un tipo en una comuna, en dónde ocurren milagros con tan solo pensarlos. Y como en ese mundo también hay locos encuentran a un mesías, un tipo que al igual que el de la tierra, quiere probar ser el elegido una vez más, y es ahí justo donde encuentran a la novia de Hari.

Un mundo de muerte, desolación, rostros tristes, marcas de cortaduras o ataduras —especialmente en el cuello— y dónde lo divino interviene en escasa medida pero eficazmente, es escrito para nosotros. La magia, lo irreal se vuelven asequibles cuando se encuentran de tope con un mundo medianamente real y muy humano.

Un libro breve pero deliciosos en cada capítulo, mordaz, hilarante, angustiante como la vida actual.

Pizzería Kamikaze y otros relatos. Etgar Keret. Ed. Sexto Piso. México, 2008

 

 

Marina Gavito también habita en: http://www.marina-lasnoches.blogspot.com/

Los Peyotes

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Los Peyotes, imagen por cortesía de El Pulpo Variete

Los Peyotes, imagen por cortesía de El Pulpo Variete

 

Por El Pulpo Variete

 

 

El garage crudo y violento de los 60´s es revivido por cinco muchachos con claras influencias (The Trog, Love) transmiten eso de lo que no fuimos parte, además se permiten recrear a su manera la imagen de los grupos de aquella época. Los Peyotes tienen tanta conexión con el beat, como con el surf-rock que los lleva a compartir fechas con bandas como The Tormentos o Los Kahunas.

Puede que tengan cierto espíritu revival sixtie, lo que no quita crédito a sus atractivas y originales composiciones.

Para escuchar y saber más de Los Peyotes:
http://www.lospeyotes.com.ar/
http://www.myspace.com/peyotes

 

El Pulpo Variete habita en: http://pulpovariete.blogspot.com/

Preguntas

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Francis And The Lights, imagen por cortesía de José Luis Dávila

Francis And The Lights, imagen por cortesía de José Luis Dávila

 

 

Por José Luis Dávila

 

Todo podría ser mejor, podría ser más fácil, menos complicado de lo que es, si se respondieran preguntas que todos parecen obviar como “¿Qué debería hacer?” “¿Qué debería decir?” Y por supuesto, las respuestas tendrían que ser lo más sinceras posibles porque los mismos cuestionamientos lo exigen. Por ejemplo, la vida en pareja se beneficiaría bastante; al contestar esas dos preguntas nadie se frustraría al no ser entendido por el otro, y en el otro, en el que pregunta, recaería la decisión final, pero muy pocos (o tal vez nadie) están preparados para contestar o preguntar con honestidad, porque, estoy seguro, muy pocos (o tal vez nadie) se atrevería a decirle a ese otro “If  you wanna break down and cry, it’s alright.

¿Por qué hablar de esto? Porque esto es lo que nace de escuchar a Francis and the lights, es decir, al neoyorquino Francis Farewell Starlite y los reflectores que lo acompañan sobre el escenario, los juegos de luces que, mientras él interpreta, se mueven a su alrededor, intermitentes, provocando un juego de sombras, generando un claroscuro en el cual Francis se desenvuelve.

 

 

Francis And the Lights, imagen por cortesía de José Luis Dávila

Francis And the Lights, imagen por cortesía de José Luis Dávila

 

Su música es bastante sencilla, tiene un sonido suave y tranquilizador, pero las letras no son nada esperanzadoras;

 

son letras que muestran por momentos un amor desesperado que agoniza en las palabras de un suplicante o letras sobre alguien que no se arrepiente de ningún posible error y deja libre al otro para elegir sobre el curso de la relación, pues de cualquier forma él estará bien, porque siempre todo está bien en algún punto, aunque sea lejano.

 

Eso es lo que podremos encontrar en It’ll Be Better (2010), el primer disco de Francis.

Si de algo peca este disco, es de ser romántico, pero es un romanticismo atípico, un romanticismo, a pesar de todo, menos dramático puesto que plantea los problemas del amor como casi nadie los ha planteado: con la mayor claridad posible, sin mentiras ni velos que oculten las intenciones verdaderas, sin subterfugios, sin secretos, sin máscaras para esconder el rostro ni promesas que no son sino objetos vacíos. Francis proyecta en sus composiciones lo que nadie quiere decir y lo que todos quieren oír pero no quieren aceptar de sus relaciones amorosas y de su pareja.

 

José Luis Dávila también habita en http://entreparentezis.blogspot.com/

The Suffering: Ties That Bind

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Dos semanas sin escribir y ya me empezaba a inflar. Pero aquí está lo que debo y como tal debe ser tan bueno como para compensarles el tiempo perdido.

Sin más preámbulo, les traigo a ustedes el único videojuego que en serio me ha dado miedo seguir jugando.

The Suffering: Ties That Bind, imagen cortesía de Rokubi

The Suffering: Ties That Bind, imagen cortesía de Rokubi

 

Distribuido por la hoy extinta Midway para PS2, Xbox y la PC. Es un videojuego con tientes gore, donde Torque (personaje de la imagen) es el protagonista y busca matar a Blackmore, asesino de su familia.

Este videojuego es secuela de “The Suffering” a pesar de todo, la historia no se complicada con involucrar al primer juego. Bien podrías jugar ambos, o sólo jugar uno, la historia se comprende.

En resumen: Torque ha sido acusado por asesinato de su familia, pero en realidad Blackmore fue el culpable de dicho crimen. Por alguna razón, se les ocurrió a los creadores del juego que sería un buen pretexto para poner monstruos de todo tipo, pero siempre provocando miedo. Nuestro protagonista sufre constantemente de flashbacks. Tenemos a disposición muchas armas, desde combate cuerpo a cuerpo hasta armas de fuego. Entre nuestras habilidades está el convertirte en una criatura con ciertos poderes, los cuales serán diferentes dependiendo de la moral. Con esto me doy la oportunidad de hablar de los finales, ya que son 3: uno bueno, malo y neutral. Los finales dependen de tu moral, la cual cambia respecto a tus acciones: matando o no a ciertos personajes extras.

Ok, a estas alturas podemos ser completamente honestos y decir que la historia, al menos su construcción, es terrible, por fortuna no vine a hablar de una buena historia, sino de un videojuego que te dé miedo, de los pocos que me atrevo a decir “no lo juegues de noche”.

En sí el videojuego no se compromete a darte sustos a lo bestia, mucho menos a que durante una escena silenciosa haya un grito aterrador con un zombi saltando en pantalla. El miedo es meramente psicológico, desde mi punto de vista el peor de los miedos, donde el jugador se cuestiona de lo que va a pasar y crea en su mente situaciones terribles de un futuro incierto. Esto acompañado de sonidos de cadenas, pasos, alaridos, dan al jugador (al menos a un servidor) una presión y miedo que pocos, sino es que ningún otro, han logrado crear.

No podemos hablar de un videojuego creado para  ser recordado por su historia, de un personaje memorable y de música… solo es cosa ambiental. Lo único que podemos decir, es que su objetivo, al menos supongo ese era, es el darte buenos sustos, tensión, suspenso. Lo anterior dicho lo alcanza, por lo cual considero el videojuego  se ve realizado.

 

 

 

Por desgracia no encontré video que en serio mostrara lo que el videojuego es, pero un tráiler no está de más.

Juan de Valdes: Observaciones de un Humanista Renacentista

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Por Jorge Majfud

Jacksonville University

 

Juan de Valdés, hermano de Alfonso de Valdés (autor de Diálogo de las cosas ocurridas en Roma, 1527) fue uno de los tantos humanistas de la escuela de Erasmo de Roterdam. Los humanistas no abundaban mucho en España (como no abundarán los ilustrados), pero tampoco eran raros en la iglesia católica del siglo XVI, el siglo de las reformas y contrarreformas.  Juan escribió algunos o quizás muchos libros religiosos que no firmó con su verdadero nombre por temor a la policía teológica de la época. A estas malas costumbres sumaba el frecuente pecado de ser un cristiano de sangre impura, lo que en la época significaba tener algún abuelo o abuela judía, musulmana o conversa. También los Valdés tenían algún tío incinerado por la Inquisición. También, como todos los humanistas de la época, consideraban que la tolerancia y la libertad no eran atributos del demonio, como lo afirmarían otros intelectuales de la iglesia, como Santa Teresa y casi todos los políticos españoles hasta el siglo XX, para los cuales la democracia era una ofensa al orden vertical establecido por Dios. Muchos otros continuaron ese desprecio, desde los carlistas hasta Ortega y Gasset, el filósofo más celebrado de España en el siglo XX y autor del reaccionario La rebelión de las masas en 1930.

Debido a este ambiente progresivamente irrespirable, Juan de Valdés fue procesado por la Inquisición; la última vez huyó de España.

Esta idea de fundar una verdad en la razón y no en la autoridad, importada del mundo islámico a Europa por el inglés Adelardo de Bath, tuvo una traducción bastante directa en humanistas como Juan de Valdés: “entender es mejor que creer”. En algún momento se debió descubrir que para esto no sólo la razón y la lógica eran medios legítimos sino también la observación.

Pero Valdés también fue un primitivo e interesante observador de la lengua castellana. Este interés lingüístico y sobre todo la observación del idioma popular eran propios de los humanistas y, además, por entonces las questione della lengua estaban en pleno apogeo en Italia. Por supuesto que Juan de Valdés está más en la línea de los lingüistas actuales que básicamente observan y procuran explicar un fenómeno y muy lejos de su compatriota Antonio de Nebrija (autor de la primera gramática europea en lengua vulgar) y el inquebrantable espíritu conservador de la Real Academia. El relativismo de Valdés está en consonancia con la tolerancia de los humanistas y en cortocircuito con los puristas prescriptivistas más contemporaneos: “yo uso así para distinguir esto de aquello […] pero si me entiende tanto escribiendo “megior” como “mejor” no me parece que es sacar de quicios mi lengua, antes adornarla con la agena” (162).

Sabemos que los dos géneros literarios de los humanistas eran, no por casualidad, la epístola y el diálogo (veremos la obra de su hermano Alfonso y de un contemporáneo de ambos, Fray Antonio de Guevara, el autor deEpístolas familiares, 1539, que leería el francés Montagne décadas más tarde). Erasmo no sólo era un obsesivo escritor de cartas, sino que esta práctica y este género continúan la línea de Platón, Cicerón y Petrarca.

Valdés descubre el “uso” de la lengua (la lengua hablada, el castellano) y lo contrapone al “arte” lingüístico (la gramática, la lengua estudiada, el latín). En la lengua hablada predomina la forma en que es usada. Las normas guían, pero no son suficientes para hablar una lengua. Valdés no sólo usa los ejemplos literarios sino también los refranes populares, coplas, villancicos y romances populares haciendo referencia al mismo Erasmo, quien escribió un libro de refranes en latín (126). Luego usa él mismo varios de su tierra como: “las letras no embotan las lanzas” (127), lo que en Cervantes dejará de ser una aclaración para convertirse en un canon: el hombre de “armas y letras” (un clásico, también, de la realidad latinoamericana del siglo XX.). Entre este cúmulo de curiosidades encontramos uno de los refranes más universales: “Cargado de hierro, cargado de miedo” (176). El editor de 1982 nos recuerda que el mismo refrán se encuentra en la Celestina (XII, pág. 143, Clásicos Castellanos). Otros refranes bosquejan el espíritu de la época tanto como la inherente condición humana: “A quien mucho mal es ducho, poco bien se le hace mucho” (198);  Y en la página 257: “Malo es errar y peor es perseverar” (también en la Celestina, del latin “Malum est errare et peius perseverare”).

Por supuesto, en Diálogos (escrito en 1533, publicado en 1737) tampoco faltan los chistes anticlericales, de estilo erasmista: “Vedme aquí, ‘más obediente que un fraile descalço cuando es combidado para algún vanquete’” (131).

Con frecuencia el autor usa estos refranes para ejemplificar sus reglas gramaticales, porque entiende que son la autoridad del uso (151). Otros refranes populares de la época revelan el etnicismo ignorado en siglos posteriores y sus prejuicios: “fue la negra al baño y truxo que contar un año” (158).

Valdés reconoce que el castellano es una síntesis de lenguas, como la original de España, la de los godos, la del los romanos, el latín, y la de los moros, el árabe (132). Creía que la lengua original de España era la griega (132) o la de los vizcaínos, porque (como pensaban otros) así como los romanos no pudieron someter por las armas a Vizacya tampoco pudieron imponerle su idioma (132).

 

Valdés era de la idea de que los vocablos envejecen. Como todo humanista de su época conocía Arte Poética Horacio (194). Pero unas sesenta páginas más adelante demuestra que aun un humanista de la época estaba atrapado en la idea de pureza y concluye con una afirmación inaceptable para los lingüistas modernos: cree que el castellano, al ser mezcla de tantas lenguas, no se puede reducir a reglas (153).

No obstante, más allá de estos detalles gramaticales, creo que hay otras observaciones mucho más relevadoras, como lo es cierta distinción social entre las formas del “vos” y de la más moderna “tú”.

Según Juan de Valdés, “también escribimos yayo porque la y es consonante” (163), lo que quizás para un lingüista pueda ser prueba de la “y”  fricativa postalveolar sonora (la ? del “sheismo”). Para mí es otro indicio (no me animo a afirmar que es una prueba) de que el acento de la época, además de la gramática, se debía parecer más al acento rioplatense que al mexicano o, incluso, al castellano hablado en el centro y norte de España.

A la pregunta de ¿por qué se escribe (en el siglo XVI) unas veces omitiendo la “d” en vocablos como tomá, otras tomad, unas comprá, otras comprad, unas comé, otras comed”?, la respuesta de Valdés es harto significativa, casi un tesoro histórico:

 

“Póngola por dos respetos: el uno para henchir más el vocablo, y el otro por que haya diferencia entre el toma con el acento en la o, que es cuando hablo con un muy inferior, a quien digo tú, y tomá, con el acento en la a, que es para cuando hablo con un casi igual, a quien digo vos”  (171).

 

Esta observación me recuerda mucho a lo que años atrás observé en el portugués de Mozambique. Alguien de una clase superior podía llamar “você” a un inferior, pero no viceversa (“o senhor João X”). Subvertir este orden clasista, racista y rígidamente colonialista era una ofensa contra el honor de quien estaba un poco más arriba; es decir, era un ataque contra el establishment.

Indicios como el que apunta Valdez a principios del siglo XVI, el siglo de la conquista, parte del Siglo de Oro de las letras y del oro americano, siempre me han conducido a pensar que el cambio de la forma “vos” en España por el “tú” se debió a las mismas razones clasistas y colonialistas. Como había intuido Nebrija en 1492, la lengua es era “compañera del Imperio”.

Tal vez esta distinción lingüística pudo haberse acentuado en Cuba y México durante la colonia, lo que no en el Río de la Plata, dado el carácter distinto de los indígenas del sur y del gaucho, que en el siglo XIX sorprendió a Charles Darwin por su incomprensible autoestima a pesar de su pobreza. También Simón Bolívar advirtió esta diferencia que luego fue detestada en el resto de América latina como simple vanagloria argentina:

 

 

“El belicoso estado de las provincias del Río de la Plata ha purgado su territorio y conducido sus armas vencedoras al Alto Perú, conmoviendo a Arequipa e inquietando a los realistas de Lima. Cerca de un millón de habitantes disfruta allí de su libertad. […] El virreinato del Perú, cuya población asciende a millón y medio de habitantes, es sin duda el más sumiso y al que más sacrificios se le han arrancado para la causa del Rey […] El Perú, por el contrario, encierra dos elementos enemigos de todo régimen justo y liberal: oro y esclavos. El primero lo corrompe todo; el segundo está corrompido por sí mismo. El alma de un siervo rara vez alcanza a apreciar la sana libertad: se enfurece en los tumultos o se humilla en las cadenas” (“Carta de Jamaica”, 1815). Está de más aclarar que todas estas observaciones se refieren al siglo XIX.

 

 

En su Dialogo, Valdés se extiende en otros detalles menos cruciales para la vida de los pueblos. Por ejemplo, atribuye el cambio de la “f” latina por la castellana “h” a la influencia árabe (171), cambio frecuente si comparamos el castellano con el portugués o gallego, aunque probablemente el silencio de la ache provenga del vasco. Luego reconoce que evita “güerta”, “güevo” y prefiere escribir “huerta”, “huevo” porque encuentra feo el sonido “gu” (176). No explica el por qué de la “fealdad” aunque también aquí sospecho que hay otra razón de clase social: como lo demuestran las revistas y los programas de moda, los pobres y todos aquellos que necesitan trabajar para vivir han sido siempre feos, villanos.

Para terminar dejemos una observación a manera de hipótesis para lingüistas: según Valdés, la palabra latina “ignorantia” en castellano se escribía o se debía escribir “iñorancia” para que se pronunciara igual. Como en toscano “signor” y en castellano “señor” (187). Sin embargo hoy en día no se pronuncia como “ñ” castellana ni como “gn” toscana. Lo cual podría ser un indicio (como cuando observamos los cambios de pronunciación del inglés británico al inglés americano) de que la grafía haya modificado la fonética, es decir, es posible que la cultura escrita, ilustrada, haya sido políticamente tan fuerte como para modificar en algún grado el uso de las mayorías analfabetas, así como anteriormente la escritura debió seguir la oralidad de un idioma consolidado (aunque tal vez Jacques Derrida no estaría de acuerdo).

 

Valdés, Juan de. Diálogo de la lengua. [1535] Edición de Cristina Barbolani. Madrid: Cátedra, 1982.

 

Jorge Majfud también habita en majfud.org

Neotraba Radio: Serpiente Elastica

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Neotraba Radio, segundo programa con La Serpiente Elástica, foto Mariana Añas

Neotraba Radio, segundo programa con La Serpiente Elástica, foto Mariana Añas

 

 

El segundo programa de Neotraba a través de http://pueblaprioridad.com tuvo la presencia de La Serpiente Elástica, quienes nos dieron una muestra de cómo se hace el blues en Puebla.

La Serpiente Elástica tocó tres canciones en vivo, y por supuesto también contestaron el Examen Antidoping de Neotraba.

 

 

La Serpiente Elástica, foto Mariana Añas

La Serpiente Elástica, foto Mariana Añas

 

 

Para la segunda emisión, la música de fondo no podía ser otra más que de La Serpiente Elástica, con el disco “Serpiente Negra”, segunda producción del grupo.

 

La Serpiente Elástica, foto Mariana Añas

La Serpiente Elástica, foto Mariana Añas

 

 

El Examen arrancó con una pregunta referente al blues:

 

Neotraba. ¿El blues renacerá en 2012? Cierto o Falso

Serpiente Elástica. Sí, con mucha fuerza.

 

 

La Serpiente Elástica, foto Mariana Añas

La Serpiente Elástica, foto Mariana Añas

 

 

Neotraba. ¿Literatura o blues?

Serpiente Elástica. Martín: Blues y Literatura. David: Yo dejé la universidad, blues.

 

La Serpiente Elástica, foto Mariana Añas

La Serpiente Elástica, foto Mariana Añas

 

 

Neotraba. Para tocar blues, ¿whiskey o ron?

Serpiente Elástica. Whiskey, aunque no lo conocemos, nos han dicho que sabe chido.

 

Neotraba. ¿La Serpiente Elástica paga su renta con un poco de blues?

Serpiente Elástica. Con mucho blues. Cuando tenemos tocadas.

 

La Serpiente Elástica, foto Mariana Añas

La Serpiente Elástica, foto Mariana Añas

 

 

Neotraba. Para tocar a una mujer, ¿David o Martín?

Serpiente Elástica. David, es el gigoló de la banda.

 

La Serpiente Elástica, foto Mariana Añas

La Serpiente Elástica, foto Mariana Añas

 

 

Neotraba. La Serpiente Elástica es…

Serpiente Elástica. Algo propio, algo original. Sentimiento puro.

Una de Vaqueros

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Los Buenos, Malos, Feos y Raros, manipulación digital de Óscar Alarcón

Los Buenos, Malos, Feos y Raros, manipulación digital de Óscar Alarcón

 

Por Iván Farías

 

El saber popular dice que cuando alguien nos cuenta una historia que pretende ser real, pero que por diferentes razones sabemos que es mentira, contestamos que mejor nos cuenten una de vaqueros. En Torreón dicen que una charra, que para el caso es lo mismo. Y es que la gran épica norteamericana ha sido contada en las cintas de vaqueros o westerns de manera exagerada. Esa épica de peregrinos que se enfrentaba al terreno árido y a los indígenas americanos que deseaban defender su tierra del invasor. Irlandeses, alemanes, polacos, y mexicanos mezclados en los polvorientos y precarios pueblos hacinados en Arizona, Texas y parte de California.

El western es el género gringo por antonomasia. El que glorificó a los bragados hombres que decidieron jugarse la vida para poder tener un futuro mejor y colonizar esas tierras sureñas (es decir, joderse a sus legítimos dueños). Es un género que motivo un lenguaje cinematográfico específico. Por ejemplo, la llamada toma americana, que va de los muslos a la cabeza, era para que se pudieran ver las pistolas amarradas a la cintura de los duelistas. Y esas contra tomas aceleradas de una plano general a un close up a los ojos es muy propia del género para crear tensión.

A pesar de que se deja ver desde los inicios del cine mudo, es con John Ford que adquiere carta de naturalización y deja de ser relleno en los cines. Junto a John Wayne hacen una de las parejas más importantes dentro de la época dorada de Hollywood. La Diligencia (USA-1939) marca época por su desarrollo de personajes, por la cara seca de Wayne, por la crudeza de la historia y por las secuencias que luego se volverían moneda corriente en el cine posterior.

El personaje de Ringo, es decir, el cuatrero de alma de oro, vagabundo, obligado a hacerse justica por propia mano, sería retomado por otros cineastas en diferentes formatos. El héroe solitario gringo, que debe romper las reglas para hacer justicia no dejaría de aparecer hasta nuestros días con mejor o peor suerte.

Los westerns de esta época dorada marcarían una generación, la que sufrió la segunda Guerra Mundial o Gran Guerra, y se convertirían en un icono para otros cineastas de lo más disímbolos. Desde Alex de Iglesia hasta Francis Ford Coppola.

En los sesenta se viviría una nueva época de este género, pero en Italia. Debido a la facilidad de hacer películas en Europa, con actores que parecieran norteamericanos, con algún actor que en verdad lo fuera, y ambientada en ciudades cosmopolitas o, como en el caso de los westerns, en los desiertos de Almería.

El amo absoluto de este revival es Sergio Leone, quien con su trilogía del dólar influenció lo mismo a Robert Rodríguez, Alejandro Jodorowsky y Takeshi Miike. Su creación de personajes, la forma en que los desarrolla, sus movimientos de cámaras y la dirección de actores hacen de sus películas piezas maestras. Leone se permite burlarse del género, hablar sobre la avaricia, la estupidez y lo absurdo de la guerra.

Debido al espacio no podemos ahondar en muchas cintas, pero hay varias de esa época que deben de verse con detenimiento como Django (Italia-España 1966) de Sergio Corbucci, La pandilla salvaje (USA-1969) de Peckinman y El topo (México-1970) de Alejandro Jodorowsky.

El género ha querido revivir, con algunos trabajos aislados: Los imperdonables (USA-1992) de Clint Eastwood, Rápida y mortal (USA-1994) de Sam Raimi y claro, la saga de El pistolero de Robert Rodríguez; que son westerns ambientados en la época actual y muy en deuda con el trabajo de Leone. Tarantino anuncia que hará un remake a su manera, claro está, sobre la clásica Django, esa donde un enfebrecido pistolero cargaba un ataúd muy extraño. Y qué decir de ese remake de El Bueno, el Malo y el Feo (Italia, España, Alemania-1966) en versión coreana llamada El bueno, el malo y el Raro (Corea-2008). O Takeshi Miike y su versión de Sukiyaki Western Django (Japón 2007).

 

Iván Farías habita en: http://difamacion-y-conspiracion.blogspot.com/

Haruki Murakami: Tokio Blues

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Portada de Tokio Blues, por cortesía de Marina Gavito

Portada de Tokio Blues, por cortesía de Marina Gavito

Norwegian Wood

 

Por Marina Gavito

 

Debemos de aprender que no todas las historias sobre un chico y una chica son historias de amor, de ese que es intenso y que sobrevive  todos los conflictos; en pocas palabras debemos de dejar de lado la perspectiva cursi del amor y verlo como pudiese ocurrir en la sociedad, en un mundo bello, frío, distante, amable y en donde se mezclan la belleza junto con los horrores de la vida, es decir un mundo más humano.

Haruki Murakami (Kioto, 1949), estudió literatura y en la actualidad es considerado uno de los más grandes y populares escritores japoneses, ha recibido un sin fin de premios y ha escrito un buen número de novelas.

Norwegian Wood es la historia de un estudiante mediocre de teatro, que reside en un bloque de departamentos para varones; un chico japonés que no sobresale mucho, llamado Toru Watanabe, es a lo largo de la novela protagonista y narrador. Este joven provinciano llega a Tokio tras una amarga experiencia durante la preparatoria: el suicidio de su amigo Kizuki. Estudia teatro pero no por amor a ello, si no al parecer por cierta inercia.

La universidad de los años sesenta en Tokio es muy similar en el aspecto político y los cambios propios de la década; vemos una sociedad japonesa que se ha adaptado a un mundo nuevo lleno de cambios, las clásicas protestas estudiantiles, la música especialmente de The Beatles, tienen influencia en la vida de Watanabe y por ende en la historia.

Entre sus compañeros de la residencia para estudiantes, dos son los que tendrán relevancia; uno de ellos es Tropa de asalto, el chico con el que comparte habitación y que resulta ser obsesivo con la limpieza, y Nagasawa, un joven adinerado, que poco le importan los sentimientos de su prometida Hatsumi, una chica de clase alta con la cual está comprometido; aquél le muestra a nuestro protagonista el mundo de la vida nocturna y el placer que esto conlleva.

Tres mujeres son el eje de la vida de Watanabe, la primera Midori Kobayashi una curiosa, extraña y alegre chica, compañera de clases de Watanabe, junto con su hermana atienden la librería de su padre; que no es más que una tienda de revistas y mangas. Kobayashi, tiene un novio el cual dejará debido a que la relación con Toru crece.

La segunda es Naoko, una chica linda de clase alta, ex-novia de su amigo Kizuki; ella volverá el caos y el amor de la vida de este estudiante de teatro, es una chica con una extraña enfermedad mental que la obliga a dejar la universidad y la vida común para albergarse en un hermoso lugar alejado y enclavado en las montañas de Japón.

Y la tercera, es Reiko Ishida, una mujer adulta, que en su juventud fue una aclamada pianista pero debido a la presión sucumbió en una crisis, poco después se recuperó pero su estabilidad mental siempre quedo en juego y diversos sucesos en su vida adulta la marcaron hasta el grado de llevarla a decidir abandonar a su esposo e hija para vivir en el mismo lugar que Naoko.

Lo que une a estos personajes son temas que han predominado en Japón desde hace años: el suicidio y la soledad, nos encontramos con personas que han visto morir a sus seres más cercanos, como es el caso de Naoko quien ha perdido a su novio y a su hermana por causa del suicidio: dos personas que ante los ojos de ella eran felices decidieron quitarse la vida, tal vez debido a una soledad que nadie pudo ver. Reiko sufre por las presiones y la imposibilidad de tener una vida normal, ella tuvo que abrazar la soledad para poder mantenerse estable en la medida de lo posible. Watanabe busca el amor de Naoko, necesita de ella porque su vida es vacía y solitaria: las amantes que tiene, la escuela y la sociedad no le dejan nada, solo siente un vacío que el incipiente amor de Naoko ayuda a sobrellevar.

Una novela extensa pero que disfruta como una taza de té, los personajes llegan ser muy similares debido a que tiene factores que los unen, lo maravilloso de esto radica en la búsqueda de la belleza y de la paz en la vida de cada quien. El final es adecuado para un mundo en el que la felicidad se escapa de las manos y parece durar muy poco comparada con el sufrimiento.

Esta novela ha sido adaptada al cine, lo cual se debe de considerar un reto ya que no es un texto tan fácil de llevar a la pantalla grande, debido a que su belleza emana de las palabras y de las imágenes que crea con ellas, radica en lo espiritual y en la parte íntima de casa ser. La película se estreno en el 2010 y recibió una serie de críticas positivas y de nominaciones en diversos festivales.

 

 

Sitio Web en Tusquetes Editores: http://www.tusquetseditores.com/murakami/

Entrevista a la Serpiente Elastica

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Serpiente Elástica, foto Jorge Durán

Serpiente Elástica, foto Jorge Durán

 

Serpiente Elástica son: David Pedraza y Martín Pérez Páiz

30 de mayo de 2011

Puebla, Puebla

Por Gilberto González y Óscar Alarcón

 

Óscar Alarcón. ¿Cuál es la historia de la Serpiente Elástica, de dónde surge?

David Pedraza. Es un grupo poblano que surge en el año 2000, con la intención de tocar canciones que nos gustaban y que nos influenciaron. Principalmente, rock clásico en inglés y rock nacional. Después surge la intención de tener una banda en donde tocáramos canciones, desde Three Souls in My Mind hasta Jaime López, Trolebús, canciones de Cecilia Toussaint y toda la camada rupestre. Todos esos músicos fueron nuestra influencia.

Conocí a Martín Pérez, en la Facultad de Filosofía y Letras de la BUAP, y se integró en 2001, con la idea de crear el grupo para tocar covers que nos gustaban, y después crear canciones originales, canciones propias de blues, porque es un género que a Martín y a mí nos encanta. A partir de eso, la Serpiente Elástica se constituye como un grupo de creación.

Llevamos casi diez años tocando, en noviembre-diciembre de este año los cumplimos; tenemos tres discos grabados de manera independiente. Hemos tocado en festivales culturales, bares y cafés, con nuestra propuesta de hacer blues en español.

 

Gilberto González. ¿Qué tan fácil o difícil es tocar blues en Puebla?

David Pedraza. Ha sido complicado pues poca gente conoce el género, y hay poca respuesta masiva. Y a la vez ha sido fácil porque en los lugares que hemos buscado se nos han abierto las puertas. Aunque es cierto que hay que generar el público, tenemos que ser constantes. Creo que cualquier género musical en México es difícil; alguien puede decir que el reggae o el ska son masivos, se debe a la cantidad de bandas pero también es complicado. El blues también es complicado porque hay pocas bandas.

Estamos hablando de cultura musical en Puebla. Y con los cambios gubernamentales, los espacios para la música se ven restringidos aún más. Una banda de blues poblana no cabe en algunos lugares. Estamos conscientes de ello, pero tenemos que seguir tocando.

Como todo en el arte, no es fácil. Si ustedes le preguntan a un escritor se los dirá. Puede ser que esté buscando en dónde puede publicar o escribir poesía. Creo que es la cultura en general, y cuando hablamos de blues, es todavía más.

Martín Pérez. Y más cuando hablamos de una propuesta propia de blues en español. Muchos grupos en el D. F., tocan clásicos del blues en inglés; pero tenemos el modelo de Real de Catorce, que logró hacer su poesía en el blues.


David Pedraza, foto de Jorge Durán

David Pedraza, foto de Jorge Durán

 

GG. ¿Cómo ven ustedes la música en Puebla, qué piensan de la decadencia de los espacios y de géneros? Parece ser que ahora todo es trova, ¿ustedes qué opinan?

DP. Puebla es un lugar ávido de cultura. La gente no repudia la cultura, pero es que no hay una política gubernamental para difundir los proyectos musicales. En los pocos espacios en los que hemos tocado blues, a la gente le ha encantado aunque no supiera de qué se trataba. No se hace cultura en Puebla por la falta de apoyo gubernamental —por ejemplo no hay una escuela de pintura en Puebla—; sin embargo hay brotes contraculturales, que siguen aportando sus propuestas a contracorriente.

Estoy seguro de que si hablamos de lugares como California, Chicago, o Barcelona, muchas propuestas culturales se pueden autosustentar, pero en México es difícil. Por eso es que hay bandas de blues que a veces se van por el lado fácil y comienzan a hacer música comercial.

No tiene nada de malo la música que hacen los trovadores, el problema es cómo se ha descontextualizado. Escuchamos “Unicornio Azul” en una peña y el trovador no tiene una idea de lo que la canción significaba en un inicio. Hay muchas canciones con temas de protesta y se piensa que son amorosas. Tocar Shakira con Luis Eduardo Aute es una mezcla que ya se puede hacer. No está mal escuchar esas canciones, pero también existen otras cosas; a veces nos encontramos con hibridaciones sin sentido y la gente está buscando nuevas cosas, pero tampoco hay muchas respuestas. Cada quien escoge lo que quiere hacer.

Nosotros hacemos canciones originales porque tenemos algo que decir; habrá almas receptoras que capten el mensaje y habrá otras que no, también eso es válido. Preferimos seguir por este camino, aunque no nos vaya bien económicamente, nos sentimos bien con nuestras convicciones. Hemos sobrevivido diez años porque hemos buscado los espacios y la calidad de nuestra propuesta se ha mantenido.

 

ÓA. ¿Entonces en este momento ustedes no reciben ningún tipo de apoyo gubernamental?

MP. Tal vez sea el tiempo de esperar, después de estos cien días y una vez que se ha formado el Consejo para la Cultura y las Artes en Puebla, sea momento de ver las propuestas. Aunque hasta el momento no tenemos ninguna, la estamos esperando. Démosle un poco de tiempo para saber qué es lo que está pasando.

En el caso del blues, necesitamos espacios y crear públicos que sepan del tema. Y eso es lo que ha estado haciendo con la Serpiente Elástica en Puebla, creando nuestro propio camino y picando piedra. Los mismos Pata de Perro se fueron al D. F. para que tuvieran oportunidades. Nosotros pensamos que hay que pelear desde la propia trinchera y crear al público para abrirse paso. Nos agrada que no sólo a gente de nuestra edad le guste el blues, sino que a los más jóvenes también les está interesando.

La prueba de esto es que dentro de la Serpiente Elástica tenemos a dos jóvenes que están tocando con nosotros, Poncho Soto y Rodrigo Espinoza, de 18 años.

DP. Y además, muy buenos músicos. Al inicio me parecía muy extraño que Rodrigo estuviera tocando con nosotros. Si bien tenía intención de hacer música, dudaba que tocara bien el bajo, y cuando hizo las audiciones me di cuenta de su talento. Conoce y nos comparte discos de gente joven que toca blues. A mí me gusta escuchar a los clásicos, a Muddy Waters o B. B. King, pero él trae discos de músicos norteamericanos jóvenes que están haciendo blues y suenan muy bien. En la Serpiente Elástica los jóvenes traen a sus amigos, y eso nos gusta porque estamos creado un público, que le gusta el blues y que lo sabe diferenciar.

 

 

Martín Pérez, foto de Jorge Durán

Martín Pérez, foto de Jorge Durán

 

 

ÓA. ¿Puebla es la ciudad ideal con las historias ideales para hacer blues?

DP. Puebla es un mosaico de historias, la gente tiene una forma de ver el mundo de manera diferente en esta ciudad —los metaleros ven a la ciudad de un modo, los salseros de otro y los bluseros de otro. El blues tiene la capacidad de mezclar emociones básicas: erotismo, tristeza, emoción, melancolía, depresión y la cachondez. Al igual que en Chicago, la gente tiene malos días en el trabajo. No vamos a hablar de pizcar algodón, sino de lo que nos ocurre en la ciudad.

Puebla se presta para escribir. Un blues al Parián; a la seis poniente. Puebla te marca. Recién pasado el escándalo, cuando íbamos al D. F., y les decíamos que veníamos de Puebla nos comenzaron a etiquetar, luego luego nos dijeron los preciosos. Hay muchas cosas que pasan aquí y a la vez todo sigue igual, no hay avance positivo.

Lo que intentamos es crear circuitos de blues en Puebla, en el D. F. ya se están abriendo los espacios. El domingo 14 de agosto de 2011, en el Teatro Universitario del Complejo Cultural de la BUAP, vamos a hacer un maratón de blues con bandas invitadas, tocaremos 50 minutos cada banda: blues clásico y nosotros con nuestro repertorio. Dentro de las bandas invitadas están Confort Sureño, Híkuri, Blues Walkers y Cuarto Blanco. La idea es ver cómo sale este encuentro de blues, y después buscar la posibilidad de hacer un encuentro internacional.

 

 

Serpiente Elástica, foto por Jorge Durán

Serpiente Elástica, foto por Jorge Durán

 

GG. ¿Cuáles son los grupos que más los han influido?

MP. Al inicio fue el rock clásico y el rock urbano. Comenzamos tocando rock rupestre en el Colegio de Lingüística y Literatura Hispánica de la BUAP en los eventos escolares; “Rockdrigo” González fue una de nuestras primeras influencias. Comencé a escuchar el blues de los negros y me encantó, y lo combiné con la influencia del rock mexicano: Jaime López, Armando Rosas. Y después fui a las raíces: John Lee Hooker, Muddy Waters, Sonny Boy Williamson.

DP. Cuando conocí a Martín, usaba mi copete como el de Elvis Presley. Y platicábamos de las canciones que Elvis se había fusilado del blues de los negros; entonces fue cuando decidí echarme el copete hacia atrás.

MP. Es curioso ver cómo muchos jóvenes no saben que canciones famosas de Led Zepellin, The Doors, son originales del ambiente negro, que con ellos no alcanzaron difusión.

DP. Hay una anécdota en la que se comenta que cuando los Rolling Stones, llegaron a la disquera, quien les ayudó a bajar sus maletas fue Muddy Waters, antes de entrar al estudio. Los bluseros, alcanzaron fortuna y fama pero no como los rockstars; grababan discos, tocaban en las noches pero en las mañana trabajaban en una fábrica. Así como nosotros [Risas].

 

 

Martín Pérez, foto por Jorge Durán

Martín Pérez, foto por Jorge Durán

 

 

ÓA. Ahora que mencionas esto, en la literatura, al igual que los poetas, los rockstars buscan groupies, ¿los bluseros qué buscan?

DP. A nosotros nos buscan las groupies, ellas llegan solas, nos abrazan y nos besan, nos dejamos querer [Risas].

 

ÓA. Hace rato que hablábamos del blues que se hace en Puebla y de las letras, vemos que en su nuevo disco, Viejo Blues, tienen dos canciones que se llaman “Echen unas monedas I y II”, ¿es difícil llegar a la gente con canciones que no tienen letras y respetar el espíritu del blues?

DP. Tal vez por la falta de educación musical, en donde se aprecia más la letra puede llegar a ser difícil colocar estas canciones en radiodifusoras comerciales.

MP. Aunque hablando de estas dos canciones son meras improvisaciones.

DP. Martín y Victorio Silva comenzaron a improvisar y así surgieron estas pequeñas piezas de blues.

MP. Tenemos un pequeño blues instrumental que se llama “Tabula Rasa” que tiene la suficiente energía para prender a la gente. El nombre de esta canción es porque así se llamaba el bar donde tocamos hace años en Oaxaca, el cual hace referencia a la teoría de filósofos como David Hume y otros, que decían que nacemos como una tabla lisa o rasa; y que las experiencias nos dan conocimiento. El dueño estaba borracho cuando llegamos, y como se quedó dormido nos dejó todo el día en el bar. Por eso compusimos ese blues instrumental.

DP. O la canción “Sonámbulo”, que no tiene letra. Pero tienes razón, pocas son las canciones que pueden llegar a ser conocidas sin contar con una letra. Pero en el blues puede llegar a ser instrumental porque es rítmico.

MP. Como una confluencia con el jazz.

 

 

Serpiente Elástica, foto por Jorge Durán

Serpiente Elástica, foto por Jorge Durán

 

ÓA. ¿Entonces ustedes no buscan ser populares, a que se vendan millones de copias de sus discos?

MP. Para eso tendríamos que pertenecer a una disquera que nos promoviera. Como músicos independientes es muy difícil lograr la masificación. Lo más que hemos logrado es utilizar el internet para que se difundan nuestras canciones.

DP. Sí nos interesa que nos conozcan, si no, no haríamos discos. Comprende que somos un grupo de blues [Risas].

MP. Ni los mismos de Real de Catorce los conocían al inicio. De hecho una chica en el último concierto se acercó a decirme que le había gustado la harmónica, que la única referencia que tenía de ésta, había sido con Shakira.

 

 

David Pedraza, foto por Jorge Durán

David Pedraza, foto por Jorge Durán

 

 

ÓA. ¿Les gusta que el blues esté enmarcado en un sino un oscuro?

DP. Somos el blues en persona [Risas]. No es agradable que se cierren espacios ni tampoco lo deseamos, pero tenemos que seguir pese a eso. Aunque a estas alturas ya no tenemos miedo de no alcanzar el cielo. No vamos a lograr ser un grupo famoso.

MP. A nuestra edad los Beatles ya se estaban separando [Risas]. El blues tiene una naturaleza distinta al rock. Podemos disfrutar tanto una velada con tan sólo veinte personas, se hace un ambiente muy íntimo, delicioso, agradable y a la vez prendido, que no necesitamos estar en una tocada ante mil personas. Una tocada con poca gente genera un ambiente que nos retroalimenta, terminamos contentos al finalizarla. Me gusta tocar así sea para cinco, veinte, para doscientas o trescientas personas.

DP. Además, el blusero conforme se hace más grande se va haciendo más sabio; el rockero se va haciendo viejo, el blusero no. Mientras envejece comienza a adquirir más experiencia. Así como los escritores que hacen sus grandes obras cuando son mayores de edad, al blusero le pasa igual. Yo disfruto más en este momento que hace cinco o diez años. En el blues se adquiere kilometraje, experiencias, tocadas. Es un aprendizaje muy especial. Nos haremos viejos y no nos veremos mal tocando blues.

MP. En nuestro fuero íntimo sí nos gustaría que una rola nuestra saliera a la radio. Quizá Radio BUAP tocó algo nuestro; en Tlaxcala nos comentan que Radio Altiplano nos hizo sonar. Estaciones culturales más que comerciales.

 

GG. Sin embargo, ya son un referente musical en Puebla.

“Sí, cuando nos escuchan ya dicen ‘ah, los viejitos’”

David Pedraza.

 

 

Serpiente Elástica, foto por Jorge Durán

Serpiente Elástica, foto por Jorge Durán

 

 

GG. Noto en sus discos una identidad, ¿qué tan fácil ha sido adquirirla? Sin querer se asocia el blues con un ambiente melancólico, cuando escuchas a Real de Catorce se nota una atmosfera pesada, sin embargo en ustedes no, se nota mucha vitalidad.

MP. Eso se debe a que es otra vertiente del blues; el blues no sólo es melancolía sino también la energía, la fuerza que puede generar algo al expresarlo con sentimiento. Muchos de los tipos de blues clásicos no son lentos, sobre todo en la etapa cuando se electrifica el blues, cuando la gente emigra a Chicago. El sonido se vuelve agresivo, fuerte. Esa es nuestra vertiente. No tenemos muchas rolas lentas, en la fuerza y la energía está nuestra expresión del blues, y en la honestidad con la que tocamos.

DP. Y la forma de ser original, somos compositores, hacemos las letras. Somos músicos y compositores de blues. Sonamos distinto a las demás bandas, incluso a las del D. F. Es algo inconsciente, no decimos “vamos a sonar distinto que los demás”.

Con todas nuestras influencias hacemos la música y sale de manera diferente, sin pensar. Si te pones a pensar “voy a hacer esta canción, que sea original, que no se parezca, que tenga estilo propio…” ¡no acabas!, no te concentras; lo que hacemos son rolas muy propias. Músicos profesionales no somos, nos salva el ritmo y el feeling. Por ejemplo, José Cruz no tenía voz de negro, pero tenía un feeling extraordinario.

MP. Incluso hay una diferencia entre la grabación y nuestras presentaciones en vivo. Son más intensas de lo que en el estudio se puede captar. Se presta a la improvisación, el ambiente te la va generando.

DP. No hemos logrado grabar un disco en el que yo sienta que tenemos ese calor como cuando tocamos en vivo. Tal vez no falta aprender a mezclar correctamente, la remasterización; vamos aprendiendo poco a poco. Si tú escuchas los primero discos de Botellita de Jerez, están mal grabados —tal vez el Mastuerzo se encabrone por esto pero sí están mal grabados—, como nuestro primer disco.

Es un aprendizaje, porque no hay una escuela que te enseñe bien a hacer blues, a grabar. En México, los estudios no se pueden comparar con los de Estados Unidos.

 

Serpiente Elástica, foto por Jorge Durán

Serpiente Elástica, foto por Jorge Durán

 

GG. ¿Cuáles son los proyectos que tiene la Serpiente Elástica?

DP. En el CCU, vamos a tocar el domingo 14 de agosto a las 12:00; pretendemos seguir difundiendo el disco Viejo Blues, buscar tocadas. Queremos grabar discos en vivo y seguir tocando. El material de la Serpiente Elástica lo pueden encontrar en Profética, y principalmente en las tocadas.

Entrevista al Poeta Leo Lobos

Posted on by Oscar Alarcon Posted in Entrevistas, Neotraba | 2 Comments

 

Leo Lobos en Chimkowe, en la Corporación Cultural de Peñalolén, foto de Charlie Urrutia 2010

Leo Lobos en Chimkowe, en la Corporación Cultural de Peñalolén, foto de Charlie Urrutia 2010

 

 

Leo Lobos é um poeta chileno muito amado pelos brasileiros. Nesta entrevista, feita em castelhano, esperamos mostrar um pouco deste artista tão querido para nós.

Por Jiddu Saldanha

 

 

Jiddu Saldanha. Relaté su experiencia con Brasil. ¿Lo que le tocó vivir y como eso sumó en su vida?

Leo Lobos“Esta es una mañana/ del Brasil. Vivo adentro/ de un violento diamante, / toda la transparencia/ de la tierra/ se materializó/ sobre/ mi frente, / apenas si se mueve/ la bordada verdura, / el rumoroso cinto/ de la selva: / ancha es la claridad, como una nave/ del cielo, victoriosa” estos versos de Pablo Neruda, me hacen mucho sentido en relación a lo que me preguntas. Brasil es como todos nuestros países latinoamericanos una abstracción, la misma que solo las personas y su lengua logran hacer piel y espíritu, especialmente los brasileños poetas, artistas, escultores, músicos, arquitectos, diseñadores, editores, gestores culturales, periodistas con quienes he tenido la oportunidad de conversar y compartir experiencias creativas es decir, mucho más vida a la vida. Imposible no mencionar a Cristiane Grando, Jorge Bercht,  Bez Batti, Artur Gomes, Claudio Willer, José Geraldo Neres, Jiddu Saldanha, Ademir Bacca, Naiman, Tchello de Barros, Tanussi Cardoso, Helena Ortiz, Hebert Emanuel, Ademir Assunção, Tarso de Melo, Olga Bilenky, Antonio Miranda, Angélica Torres Lima, Ana Lúcia Vasconcellos, Lúcia Gönczy, Rubens Jardim, Claudio Daniel, a mis queridos amigos fallecidos José Luis Mora Fuentes, Hilda Hilst y Roberto Piva. Brasil me dio otra lengua, otro mundo de expresión, amistad, reconocimiento el vuelo, la trayectoria, el impulso, el tramo de aire recorrido en su ascenso.

 

JS. ¿Cómo es ser poeta y artista visual, la pintura y la poesía son prácticas separadas o juntas?

LL. La poesía es un desafío. Creo fundamental la vida que ilumina la palabra y la palabra que logra a la vez iluminar la vida a través de la poesía, y en la misma medida para mi la pintura, el dibujo, la fotografía, el video y cualquier otro medio de expresión creativa, que permita desarrollar niveles superiores de comunicación. Creo en la creación multimedia e interdisciplinaria, porque la mente es como un paracaídas, sólo funciona bien cuando esta abierta a todos los estímulos de nuestro entorno cultural. El arte es una fuerza que se exterioriza capaz de cambiar la vida. Un medio para dar intensidad a la vida, un medio para dar visibilidad a lo inexpresable en palabras.

 

JS. Las últimas experiencias políticas de Chile parecen haber creado impacto en los intelectuales del país, que siente usted en relación a esto.

LL. Si los pueblos no se ilustran, si no se divulgan sus derechos, si cada hombre no conoce lo que puede, vale, debe; nuevas ilusiones sucederán a las antiguas y será tal vez nuestra suerte cambiar de tiranos, sin destruir la tiranía.


Leo Lobos en Peñalolén, foto de Sebastián Castillo, 2011

Leo Lobos en Peñalolén, foto de Sebastián Castillo, 2011

 

JS. No tenemos, en Brasil, mucha información sobre que período literario vive Chile actualmente. ¿Quiénes son los vanguardistas chilenos? ¿Hubo rupturas?

Creo que estamos en un tiempo más bien de retaguardias artísticas aquí y en muchos lugares del mundo. La vanguardia en Chile del siglo XX tiene voces sumamente originales, dos poetas consagrados con el premio Nobel, y que forman un concierto armónico propio a pesar de la multitud de tendencias fragmentarias de nuestra época.

 

JS. ¿En qué contexto, exactamente, nace el poeta Leo Lobos?

He sido un lector incansable desde mi infancia, mi encuentro con “escritores vivos” se ha producido en la Universidad, a la que ingresé cuando tenía 17 años a comienzos de 1980. He tenido entre mis compañeros de carrera y entrañables amigos, hasta el día de hoy, a los poetas Mario García y Sergio Ojeda. Con ellos fuimos activos participes de los encuentros culturales realizados en la Universidad de La Serena en aquellos años, con los poetas Aristóteles España y Raúl Zurita, y encuentros académicos e informales con poetas como Braulio Arenas, Eduardo Llanos y Arturo Volantines. Desde muy niño he sido un lector perseverante, y desde la lectura a la escritura todo ha ido de manera natural, como del dibujo a la pintura, como de la palabra hablada a la escrita, desde el castellano a un idioma ajeno y desde ahí nuevamente a mi propia lengua.

 

JS. ¿Cuáles son sus lecturas, quién encantó tu universo poético?

Entre mis autores podría mencionar a los poetas chilenos Pablo Neruda, Gabriela Mistral, Gonzalo Rojas, Enrique Lihn, Jorge Teillier, Eduardo Anguita y poetas cercanos a quienes leo y con quienes dialogo como por ejemplo José María Memet, Francisco Véjar y Milagro Haack. Entre los autores extranjeros que me han influido podría mencionar al poeta venezolano Rafael Cadenas, al mexicano Octavio Paz, al poeta francés René Char, a los brasileños Ferreira Gullar, Ledo Ivo, Roberto Piva y Décio Pignatari. La música y la pintura de creadores a quienes siento muy cercanos y que me han influido poderosamente como: Joan Miró, Roberto Matta, Miquel Barceló y Antoni Tápies. A los músicos Bach, Mozart, The Beatles, Tom Jobim y João Gilberto y su maravillosa música que me acompaña.

 

 

Pintura de Leo Lobos, 2009

Pintura de Leo Lobos, 2009

 

JS. ¿Quién es Leo Lobos por Leo Lobos?

LL. Alguien que pretende descubrir la vida que ilumina la palabra. El poeta Vinicius de Moraes decía que no debemos hacer “ninguna concesión a la poesía no vivida”. Pues “La poesía es subversión del cuerpo”, nos dice el mexicano Octavio Paz. Goethe decía “los poemas que nacen de la nada no me interesan”. “Entonces un buen poema para mí es aquel que logra iluminar la vida vía verbo” dice el poeta brasileño Roberto Piva.

http://leolobos.blogspot.com/

http://www.germinaliteratura.com.br/llobos.htm

 

Leo Lobos

TEXTOS EM PORTUGUÊS

Tradução: Adriana Zapparoli – Cristiane Grando

 

Uma secreta forma

“As palavras como o rio na areia

se enterram na areia”

Roberto Matta

 

o automóvel está possuído pela força

dos animais que o habitam

como uma carruagem puxada por cavalos

sobre pedras úmidas de um passado verão

Rio de Janeiro aparece de repente como

a secreta forma que o Atlântico

deixa entrever de suas colinas de açúcar:

baleias à distância algo

comunicam à nossa humanidade surda

e cegadas pelo sol preparam seu próximo vôo

caem uma vez mais como

o têm feito há séculos

caem e crescem nas profundezas

caem e crescem em seu líquido amniótico

 

 

 

Hi-tech

com dinheiro de plástico pagamos nossos

instrumentos importados de terras distantes,

caminhões com alimentos transgênicos nos ultrapassam

na calçada

automáticos seguimos em transe numa super rodovia

lemos cartas no telefone portátil imagens ativas

de quartzo líquido que satélites

de prata nos ligam de

uma órbita desconhecida

o tempo

é

sem ser o espaço

o mesmo complemento

o relógio digital anuncia a queda do sol

aperto o controle remoto

do portão eletrônico

e no carro de combustão interna nos

deslocamos paraplégicos.

 

 

 

Uma visita ao zoológico fantasma

“Livre da enfermidade, embora em meio à enfermidade”

Yagyu  Munenori

Tenho visto tanta merda de cão

nas ruas de Paris que devo

caminhar com cuidado à noite

é quando me parece então

escutar meninos e meninas fantasmas

rirem na fila de entrada do

zoológico que para eles ali se levanta:

um desfile de elefantes brancos cruza

a praça do Louvre fazendo

malabarismos com obras de arte e restos

de arqueologias extraterrestres, girafas

correm pelos Campos Elíseos comendo

as luzes natalinas que crescem em

suas árvores, baleias, delfins,

patos selvagens nadam pelo Sena

tragando turistas desprevenidos

que acendem flashes em seus narizes

leões copulam famintos

sobre os telhados como relíquias

de cristal de uma cidade iminente…

Hipopótamos ébrios se encalham em suas

ruas serpenteantes, em seus arcos triunfais,

em sua torre famosa…

Galeristas confusos

correm atrás de cavalos livres de

carrossel que levam gravada uma estrela

de ouro em seu flanco…

Bandos de aves tropicais cobrem a lua

de plumas de plástico que

ursos vestidos à la mode sopram

com ventiladores nucleares de

globos que intermitentes sobem

e descem por escadas invisíveis

que águias cegas trazem

de Nôtre-Dame…

Sinosnuvens carregados de

perfumes humanos chovem

no final desta noite sobre

o zoológico de plasma e tudo

retorna nos olhos de um gato

sabiamente

a ser luz solar

e Paris

é outro dia.