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This is happening

2 de Abril, hace un año del funeral

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LCD 4/2/11. Imagen cortesía de José Luis Dávila.

LCD 4/2/11. Imagen cortesía de José Luis Dávila.

 Por José Luis Dávila.

Fue una muerte anunciada, como la de Santiago Nasar, inevitable y trágica.

James Murphy estaba ahí parado, frente a todos, en el Madison Square Garden, y cantaba como no volverá a cantar. Miles de personas gritando, coreando sus canciones, viendo cómo se despedía LCD Soundsystem. Luego de poco más de tres horas, las luces se apagaron; era el fin.

Desde el primer disco (homónimo, por cierto), hasta el This is happening, la banda se distinguió por su estilo. Desenfadado, sarcástico. Una mezcla que aunque queramos clasificar, aunque se inscriba en una corriente musical, será única como pocos lo han sido. Como casi nadie en esta época lo es. De eso se trata ¿no? De salir y ser diferente, y darle a la gente eso diferente que necesita, dar esa raíz del mito moderno de la estrella eléctrica, de la figura que es sombra producida por el reflector, de la bola disco en el techo iluminando intermitente nuestro baile, nuestras vidas.

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McCartney: Un Río Llamado Tedio

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Paul McCartney. Manipulación digital por Cyanuro.

Paul McCartney. Manipulación digital por Cyanuro.

Por José Luis Dávila

Cada que escucho a Paul McCartney se me antoja echarme a dormir. Hace años que es lo mismo. Me imagino que Coldplay será así, si no se separan a tiempo: tendrán éxito, venderán millones, les admirarán, todo eso. Y la música será, sin duda, disfrutable. Pero habrá algo que aburra. Recordemos: Hay que sospechar de aquellos que tienen éxito en todo, sobre todo en el arte, porque eso quiere decir que hay algo que siempre es repetitivo y que llega a cansar. Como con McCartney.

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Caminos

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Portada del disco "Camino" de The Black Keys, imagen cortesía de José Luis Dávila, manipulación digital Eugenio Amezcua para Neotraba

Portada de "Camino", imagen cortesía de José Luis Dávila, manipulación digital Eugenio Amezcua

 


 Por José Luis Dávila

Caminar bajo la tarde nublada después del trabajo, y seguir el mismo rumbo un día tras otro, y otro, sin sentirlo pesado, sin decir que es rutina o monotonía. Eso he hecho últimamente: caminar y pensar, y sentir que los pasos que doy tienen un sentido más allá del mero hecho de trasladarse. Aunque de trasladarme, me traslado. Voy de un sitio a otro, como cualquiera, y en el camino me da tiempo para reflexionar lo que no se puede cuando se está inmóvil.

El camino es, pues, un aliciente para el cansancio de lo inerte. El camino es una forma de sentir que la vida se mueve. Pensemos que el camino es una alegoría de la construcción de la comunicación. El camino es tantas cosas. También es el nombre del más reciente disco de The Black Keys. El séptimo, para ser preciso.

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Recuento

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Por José Luis Dávila.

Foster The People. Imagen Cortesía de José Luis Dávila.

Foster The People. Imagen Cortesía de José Luis Dávila.

¿Habría que hacer una lista de los discos del año? ¿Una lista con los mejores sencillos? Sin duda, si hiciera esa lista, en los primeros lugares quedarían Florence+The Machine, Foster The People, Megadeth, Tom Waits, Coldplay (aunque, la banda de Chris Martin sospechosamente siempre hace discos que resultan gratos, lo cual nos dice que no han cambiado de formula y no estarán preparados para cuando deje de funcionarles), PJ Harvey, Justice, Moby, Young The Giant, Rustie, Cold War Kids, Nicolas Jaar, Bon Iver, Likke Li; en fin, encontraría, pues, un lugar hasta para Artic Monkeys, a quienes detesto. Sigue leyendo

Dos

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Porta del disco MujeryEgo de Jaime López, imagen cortesía de José Luis Dávila

Porta del disco MujeryEgo de Jaime López, imagen cortesía de José Luis Dávila

 

 

Por José Luis Dávila

Siempre hay dos; un cuerpo que se encuentra con otro, se tocan y caen como uno. Se reconocen sólo entre ellos, con ningún otro porque hasta los huesos se pertenecen y se quemarán juntos toda la vida en el sexo que es fuego, que es dolor de los que se pierden en las miradas perdidas, reflejándose mutuamente, entreteniéndose en leerse las pieles.

Ya venga el futuro, ya se congele el tiempo, ellos siguen frente a frente; en la oscuridad se cobijan con una noche que gana su historia, sus colores y sus cantos por medio de ellos; esos cantos tienen la voz de Jaime López.

Con una voz profunda que horada en aquél que escucha el silencio de las madrugadas aunque sean las dos de la tarde, porque su música es nocturna no sólo de noche, López camina hasta el centro de cada uno, al laberinto que es él mismo en los otros, un laberinto creado por sus notas, cimentado en la experiencia individual, adornado por los demonios de los ciclos inconclusos, ambientado con el aroma del incienso de la armonía.

Es Mujer y Ego, su más reciente disco, una defensa del amor que se estrella en el pavimento, como fragmentos del cristal de un auto y cada fragmento es una canción,

y cada canción es una forma de buscar la respuesta a las caricias de los fantasmas, a las presencias que pesan en vez de aligerar, a los abrazos que dejan ardiendo la espalda, a los besos que se quedan a mitad del puente cuando, de pronto, se derrumba, a las dudas que asesinan, a las distancias que el teléfono no sana.

Jaime López entrega un disco repleto de los “tú” y “yo” que se ponen en escena durante la representación del amor en esos templos que son las habitaciones, los altares que son las camas, las hostias que son los cuerpos, pero sobre todo en algo más terrenal que la experiencia divina del sexo: en las calles de las ciudades que son los corazones.

José Luis Dávila también habita en  http://entreparentezis.blogspot.com/

Volver Sobre Los Pasos

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Ghinzu - Imagen cortesía de José Luis Dávila

Ghinzu – Imagen cortesía de José Luis Dávila

Por José Luis Dávila

Estas tardes me hacen volver sobre mis pasos, el clima es ideal para ello. Estas tardes de clima bipolar me hacen querer escuchar a Ghinzu, y lo hago. Me pasa que recuerdo como era antes todo esto, y camino las calles de siempre que cada día tienen algo nuevo. Lo nuevo, por momentos, parece mejor pero a veces no lo es, no hay progreso en ello. Así me pasa hoy, que me siento a escuchar los nuevos discos de las grandes bandas y resulta que no pasa nada, que en vez de avanzar, retroceden: entonces tenemos un The King Of Limbs vacío, hecho con beats que nada comunican, sin algo de lo que Radiohead solía ser en los tiempos del “Ok Computer” y un video en honor al ego, o unos Red Hot Chili Peppers carentes de fuerza, de vitalidad, y en vez de eso los riffs de una guitarra sin experiencia llenan las bocinas, una guitarra imitadora de Frusciante.

The King Of Limbs de Radiohead - Imagen cortesía de José Luis Dávila

The King Of Limbs de Radiohead – Imagen cortesía de José Luis Dávila

Y que no se me malentienda, no es que no sean buenos los cambios, si no que no son los adecuados, no es la dirección más apropiada que deben tomar. Sobreexplotar la fórmula es un crimen tanto como alterarla hasta quedarse sin nada de ella.

Young The Giant - Imagen cortesía de José Luis Dávila

Young The Giant – Imagen cortesía de José Luis Dávila

En la otra mano se encuentra la espera, la fe que se tiene en lo siguiente, en que las próximas semanas reivindiquen a las grandes bandas, al menos por este año: que Coldplay, a pesar de sus recurrencias nos entregue una placa disfrutable, que Tom Waits nos sumerja en lo oscuro de su voz, que Megadeth demuestre que el metal no se ha perdido por completo, que sigue respirando, a pesar de estar postrado en esa cama, con oxígeno por sus recurrentes crisis respiratorias de las que hasta para el doctor Ozzy es difícil sacarlo. También espero, como los religiosos esperan a un Cristo pálido y cansado, llena la ropa de sangre, sudoroso, maloliente, tambaleándose, sediento, casi muerto al final del camino, ese disco que desde su anuncio parece aberrante, esa colaboración de un Lou Reed oxidado y Metallica que luego de treinta años parece sufrir, ya no el cáncer sino los efectos de la quimioterapia.

Veronica Falls -  Imagen cortesía de José Luis Dávila

Veronica Falls – Imagen cortesía de José Luis Dávila

Por eso me vuelvo sobre mis pasos, regreso a un lugar que me reconforta y escucho a otros que son más bien nuevos (como Veronica Falls, como Foster The People, como Young The Giant) pero que al menos, con sus deficiencias, sé que tardarán mucho en seguir el ejemplo del auto-sobrevalorado Axel Rose. Por eso mismo, llego y pongo en el reproductor a Ghinzu, y escucho Blow una y otra vez, mientras me transforma el entorno en algo agradable y consume la noche con el sonido de ese bajo mezclándose con los sintetizadores, con la batería sin fallos, llevando el ritmo, contagiándolo  a las cabezas que se mueven siguiendo la música.

Foster The People -  Imagen cortesía de José Luis Dávila

Foster The People – Imagen cortesía de José Luis Dávila

Escucho a Ghinzu para relajarme y esperar lo que se viene, esperar con un poco de angustia y recelo, pero siempre con el deseo de la sorpresa, de que lo inesperado haga su acto de magia y se adueñe del escenario.

Fantasmas

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Ray Manzarek y Roy Rogers, imagen cortesía de José Luis Dávila

Ray Manzarek y Roy Rogers, imagen cortesía de José Luis Dávila

Por Jo Luis Dávila

Los dedos recorren las teclas nuevamente creando ambiente de blues, la guitarra pone la tensión con cada nota sostenida; ambos se mezclan, se funden y entonces es como volver a sentir a Jim sin que sea algo que se le parezca: ¿Qué importa si nada tiene que ver con él? Es él en palabras y sonidos que nunca escribió (que nunca escuchará) pero que lo invocan como en un ritual en medio del desierto orquestado por dos viejos indios: Ray Manzarek y Roy Rogers.

 

 Jim es el fantasma mediante el cual  se escucha este blues, o mejor dicho, Jim es este blues que se vuelve un fantasma, un cuerpo translúcido que permite ver lo que está tras de sí. Y lo que está es una banda formada por la experiencia de los años pasados, que se basta con lo básico, lo clásico, sustentada en la habilidad de sus integrantes con los instrumentos y en las letras que arrasan como un huracán, devastando las ciudades íntimas, las poblaciones de la subjetividad.

 

"Translucent Blues" de Ray Manzarek / Roy Rogers, imagen cortesía de José Luis Dávila

"Translucent Blues" de Ray Manzarek / Roy Rogers, imagen cortesía de José Luis Dávila

La Manzarek-Rogers Band recupera, con Translucid Blues, un pasado añorado por los amantes de este género que se cruza con la voz mítica de Morrison resonante en estas composiciones sin ser suyas y sin ser en su honor, como gritando desde la tumba por la diferencia entre 5’s y 1’s.

 

 

 

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Voces

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Portada del disco "Mine is yours" de Cold War Kids, imagen cortesía de José Luis Dávila

Portada del disco "Mine is yours" de Cold War Kids, imagen cortesía de José Luis Dávila

Por José Luis Dávila

La voz es un vehículo de la presencia. Se vale de los tonos para despertar en el otro la sensitividad propia del encuentro físico en todas sus facetas. La voz nos permite acercarnos sin estar realmente cerca y sentir las palabras convirtiéndose en cuerpo. Las voces se quedan grabadas en nosotros, son ecos que se aprovechan de la acústica de las emociones.

Las voces tienen color, tienen forma, textura. Con la voz se trazan líneas, se trazan lazos. Hay voces que nos llegan desde lejos, viajan para anidarse en nuestro oído. Cuando una voz nos acompaña y la podemos escuchar más fuerte de lo que nunca habíamos escuchado otra, entonces algo nos mantiene unidos a quien sea que le pertenezca. Porque traer su voz en la mente es saber que lo que es suyo es nuestro.

Cold War Kids, imagen cortesía de José Luis Dávila

Cold War Kids, imagen cortesía de José Luis Dávila

Y viceversa, lo que es nuestro es suyo. A veces, en eso se resume todo: un muto compartir. A veces, no hay más que repetir “What is mine is yours/What is mine is yours/What is mine is yours”. De eso se trata el último disco de Cold War Kids (Mine Is Yours, 2011), banda californiana formada por Nathan Willett, Jonnie Russell, Matt Maust y Matt Aveiro.  El sonido de este material evoca una tarde de lluvia en la que nada más importa entre dos personas, sólo las gotas cayendo sobre los rostros, cuando finalmente empieza una historia y las voces se plasman simultáneamente con ritmos que transitan de lo suave a lo violento desprendidos de la experiencia que es correr y resguardarse bajo la primera saliente que se encuentre.

Cold War Kids nos convence de que las voces son esenciales, de que las voces construyen puentes, de que atrapan y hacen creer en lo que se esconde tras cada una. Sin duda, este disco será de lo mejor que se pueda encontrar este año, porque despierta una forma de concebir al otro que estaba en coma:

por medio de la palabra hablada, por medio de la voz que emana y taladra hasta incrustarse en el centro de los que la escuchan abiertos a su materia sensible.

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Just like Buddy Holly

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"Rave On" de Buddy Holly, imagen por cortesía de José Luis Dávila

"Rave On" de Buddy Holly, imagen por cortesía de José Luis Dávila

 

Por José Luis Dávila

 

Charles Hardin Holley murió el 3 de febrero de 1959, a los 22 años, mientras viajaba en compañía de Ricardo Esteban Valenzuela Reyes y Jiles Perry Richardson. Tiempo después, Don McLean bautizó ese día como “the day the music died” en una canción que contiene referencias a toda una generación que fue testigo y participe del nacimiento del rock y de su evolución hasta la psicodelia del inicio de los 70’s. Esa canción, American Pie, está llena de símbolos enlazados a toda la cultura musical, no sólo estadounidense sino mundial, de la época, pero se centra en la figura de Holley, el icono del rock que mejor conocemos como Buddy Holly.

Las composiciones de Holly son trascendentales para la música: a partir de su trabajo en estudio se han experimentado y desarrollado nuevas formas de grabación, asimismo desde su tiempo con The Crickets propagó la clásica constitución de una banda de rock (dos guitarras, un bajo y batería) y su look es una marca distintiva de los 50’s. Buddy Holly es un punto de partida, es un punto de referencia y un punto de comparación; sus canciones y su nombre han sido retomados a lo largo de las décadas por muchos otros artistas: desde la versión de Words Of Love de The Beatles y la intertextualidad de su Dear Prudence con Raining In My Heart, pasando por Alvin Stardust quien en 1984 canta I feel like Buddy Holly ‘cause it’s raining in my heart, hasta llegar a Weezer que diez años después de Stardust se enorgullecen de decir: I look just like Buddy Holly en el segundo sencillo de su primer álbum.

 

 

Buddy Holly, imagen por cortesía de José Luis Dávila

Buddy Holly, imagen por cortesía de José Luis Dávila

 

El 28 de junio se lanzó Rave On, un nuevo disco de Buddy Holly, un Buddy Holly en la voz de otros: Paul McCartney, The Black Keys, Modest Mouse, Fiona Apple, Florence And The Machine, Graham Nash y Lou Reed son algunos de los nombres que podemos encontrar en la portada del disco; son voces que lo actualizan y lo re-interpretan cada uno en su propio estilo, lo reviven, lo hacen levantarse del campo de maíz en el cual terminó su vida, tomar la stratocaster y regresar a nuestras bocinas para llenarnos de nuevo con sus letras y sus ritmos.

 

El disco tendrá sus detractores, como cualquier disco de tributo; se harán comentarios, se juzgará la calidad, la forma en que se adaptó cada canción. Quizá muchos detesten (como yo) la versión que Julian Casablancas grabó de Rave On, o les parezca (como a mí) que Justin Townes Earle logró una Maybe Baby que nadie, excepto el mismo Buddy, pudo hacer mejor.

 

Pero, sea cual sea el valor que se otorgue y la crítica que se haga sobre este Cd, en el fondo de cada uno de los 19 temas que lo integran se seguirá escuchando y reconociendo a Buddy Holly, aquél que sobrepasó a todos, incluso a Elvis quien a pesar de ser ‘El Rey’, nunca será, como McLean nombra a Holly, ‘the Father’.

 

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Esas luces que son Paris

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Midnight in Paris, imagen por cortesía de José Luis Dávila

Midnight in Paris, imagen por cortesía de José Luis Dávila

Por José Luis Dávila

La noche cae, dan las doce y empiezan a recorrer las calles los fantasmas del pasado, un pasado bohemio, un pasado repleto de estrellas tan fugaces como tan eternas, tan distantes como cercanas. Es la distancia misma la que las vuelve llamativas, porque la distancia atrae al hombre, lo hace preguntarse por lo que existe más allá de sí.

También la distancia es un estado mental, una obsesión por las memorias de otros lugares y otros tiempos que nos pertenecen de alguna manera, ya sea porque fuimos (o somos) parte de ellos o porque un fragmento perdido de la granada arrojada en esos tiempos y lugares se nos ha incrustado en el pecho. A mí, por ejemplo, me pasa cuando escucho a Al Bowley, que los 30’s se me pintan como la mejor época. Y así, cada uno tiene su época preferida.

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