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Two Door Cinema Club

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Two Door Cinema Club, foto tomada de http://www.myspace.com/twodoorcinemaclub

Two Door Cinema Club, foto tomada de http://www.myspace.com/twodoorcinemaclub

 

Hands off my cash, Monty!

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Two Door Cinema Club, foto tomada de http://www.myspace.com/twodoorcinemaclub

Two Door Cinema Club, foto tomada de http://www.myspace.com/twodoorcinemaclub

 

Por Jorge Durán.

2 de abril de 2011: fecha en la que Two Door Cinema Club, banda ganadora en los Choice Music Prize en la categoría de “Irish Album of the Year 2010”, se presentará en El Lunario, del Auditorio Nacional y llenará el recinto con flashes llenos de emociones. Algunos pensarán que tienen un problema: que sólo son otra banda indie, pero antes de argumentar eso deberían darle una o varias repasadas.

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Mi Familia “Search and destroy”

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Search and destroy, Mi familia

Search and destroy, Mi familia

 

 

Por el Pulpo Variete

 

Por suerte los Beatles no existen más, no soporto los temas de 3 minutos, estribillos marcados y con una super producción por detrás, a las personas que coincidan con mi punto de vista van a encontrar en este disco una forma de escape a esta estructura de canción establecida. Mi familia es el proyecto paralelo de POL (http://www.myspace.com/polberd) un artista que no conocía y me impactó con su propuesta.

Este trabajo fue editado hace poco por el sello independiente Soy Mutante, contiene 7 temas en una línea básicamente instrumental, con el impulso que le aporta la electrónica y los desvaríos tecnos, uso esta palabra “tecno” ya de moda para dejar en claro la conexión con el espíritu y el sonido de ciertas bandas de los 80´s como New Order, Devo y hasta Madonna. Pero en esta placa todo esta llevado como a un extremo más áspero, sin dejar su costado ecléctico-bailable por así decirlo en canciones “Go hiking“, “Jujuy” y “Cry at the Falcon” que abre el disco, también hay para disfrutar hambientes introspectivos y acústicos como en “Stone“.

Una curiosidad son los sampleos de canciones muy muy conocidas (no te voy a decir cuáles, averígualo), que le aportan color y dejan ver lasa influencias de Mi Familia. En fin un disco más que interesante, creo que se va a convertir en imprescindible para entender al menos uno de los caminos que tomó esta nueva generación de artistas.

Para escuchar el disco: http://soymutantenetlabel.bandcamp.com/album/008-mi-familia-search-destroy

 

El Pulpo Variete habita en: http://pulpovariete.blogspot.com/

Ideologia

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Composición: Cazuza / Roberto Frejat

Versión al castellano por Leo Lobos especial para NEOTRABA.

 

Mi partido
Es un corazón partido
Mis ilusiones
Están  todas perdidas
Mis sueños
Fueron todos vendidos
Tan barato
Que yo no lo creo
Ah! que yo no lo creo

Aquel muchacho
Que iba a mudar el mundo
Mudar el mundo
Frecuenta ahora
Las fiestas del “Grand Monde”

Mis héroes
Murieron de sobredosis
Mis enemigos
Están en el poder
¡Ideología!
Yo quiero una para vivir
¡Ideología!
yo quiero una para vivir

Mi placer
Ahora es riesgo de vida
Y mi sex and drugs
No tiene ningún rock ‘n’ roll


Voy a pagar
La cuenta del analista
Para nunca más
Tener que saber
Quién soy
Ah! saber quién soy

Pues aquel muchacho
Que iba a mudar el mundo
Mudar el mundo
Ahora asiste a todo
Encima del muro
Encima del muro

Mis héroes
Murieron de sobredosis
Mis enemigos
Están en el poder
¡Ideología!
Yo quiero una para vivir
¡Ideología!
Yo quiero una para vivir

Pues aquel muchacho

Que iba a mudar el mundo
Mudar el mundo
Ahora asiste a todo
Encima del muro
Encima del muro

Mis héroes
Murieron de sobredosis
Mis enemigos
Están en el poder
¡Ideología!
Yo quiero una para vivir
¡Ideología!
yo quiero una para vivir…
¡Ideología!
Para vivir

 

Notas y comentarios del traductor

Ideología” fué presentada en los inicios de 1988, el disco vendió medio millón de copias ese año. Agenor de Miranda Araújo Neto, más conocido como Cazuza, (Río de Janeiro, 4 de abril de 1958 – Río de Janeiro, 7 de julio de 1990) compositor y cantante, hijo del productor fonográfico João Araújo y de Maria Lúcia Araújo. Fue influenciado desde pequeño por los fuertes valores de la música brasileña. Prefería los temas dramáticos y melancólicos, como los de Cartola, Lupicínio Rodrigues, Dolores Duran, y Maysa. Cazuza ingresó a la universidad en 1978, pero abandonó su carrera de periodismo apenas tres semanas después para trabajar con su padre en Som Livre, empresa discográfica brasileña fundada por la Red O Globo en 1968. Luego fue a San Francisco, donde tuvo contacto con la literatura que más tarde influiría mucho en su carrera.

 

En 1980 volvió a Río de Janeiro, donde trabajó con el grupo teatral Asdrúbal Trouxe o Trombone. Allí, fue observado por el entonces novato cantautor Léo Jaime, que lo presentó a una banda de rock que buscaba un vocalista: Barão Vermelho. Con Barão Vermelho, que tuvo un gran éxito con el tema Bete Balanço, Cazuza inició su carrera como cantante. En 1985, Cazuza se presentó con gran éxito en festival Rock in Río con Barão Vermelho, el consagrado músico brasileño Caetano Veloso declaró que Cazuza era el poeta de su generación. Ese mismo año Cazuza se infectó con el virus del SIDA, precipitando su deseo de dejar la banda con el fin de obtener más libertad para componer y expresarse tanto musical como poéticamente.

 

Luego de su salida de la banda, sus temas comenzaron a diversificarse, incorporando elementos del rhythm and blues, de la música negra norteamericana en canciones como en Blues da Piedade, Só as mães são felizes y en el caso de Balada da Esplanada, canción basada en un poema homónimo de Oswald de Andrade, mostrando letras intimidantes, como en Só se for a Dois, también dejándose influir por la MPB (música popular brasileña), con interpretaciones de temas de distintos artistas como O Mundo é um Moinho (Cartola), Cavalos Calados (Raul Seixas) y Essa Cara (Caetano Veloso). Al contrario de lo que normalmente sucede cuando un artista deja la banda que lo hizo famoso, la carrera solista de Cazuza tuvo más éxito del que había obtenido con su ex-banda. Exagerado, O Tempo não Pára e Ideología fueron sus grandes éxitos, que lo convirtieron en una gran influencia para los músicos brasileños posteriores.

 

En 1989, admitió públicamente por primera vez que tenía el virus del SIDA y lanzó su último álbum: Burguesía. Murió en Río de Janeiro en 1990 a los 32 años como consecuencia de su enfermedad. En 2004, se estreno la película biográfica Cazuza – O Tempo Não Pára, dirigida por Sandra Werneck, vista ese año por millones de brasileños.

 

Algunas características de su obra son su postura activa frente a la vida, no apenas viviendo, describiendo y sufriendo con los hechos que pasaban en su vida personal sino también haciéndoles frente, fuesen acontecimientos sentimentales (Obrigado, O Mundo é um Moinho, Exagerado) o políticos (Burguesía); Intimismo e individualismo, en el sentido de no expresarse en función de o considerando las opiniones de su entorno, sino sobre las bases de sus creencias, deseos, impresiones y escribiendo en un lenguaje coloquial que generaba complicidad entre el cantante y sus seguidores.

 

La expresión encima del muro, usada por Cazuza en ideología es muy común en el habla cotidiana y se usa para describir a alguien que no esta comprometido política o afectivamente, alguien que esta encima del muro en el límite, ni en un lado, ni en el otro. Las fiestas del “Grand Monde” a la que Cazuza hace mención se refiere a los cultivadores del status, de la apariencia y del qué dirán. Son aquellos que viven en Brasil con un ojo en Europa y el otro en los Estados Unidos de América. Burguesía, élite, grã-finagem, jet-set“, “grand-monde“, high-life son nombres intercambiables que esconden, bajo la apariencia del buen vivir, códigos de comportamiento y representaciones sociales. Son nombres utilizados, a lo largo del siglo XX en Brasil, para designar las fracciones de clase que disputan el control del capital simbólico fundamental para el proceso de institucionalización de su hegemonía. Importantes agentes institucionalizados de un habitus de clase, que discrimina a unos y coopta a otros, que jerarquiza los espacios de la ciudad, dignificándolos o rebajándolos, que elige el consumo como norma de vida, que dicta modas y crea ilusiones. Existe en youtube un excelente video grabado por TV O Globo para un programa especial de aniversario de la televisora el año 1989, cuando esta canción era la más significativa del momento,

 

Cazuza en vivo para todo el país cantando Ideología, sus héroes han muerto de sobredosis y sus enemigos en el poder lo incorporan al espectáculo y lo convierten en vivo y en directo para todo el país en el personaje lúcido y crítico de su propia canción.

Cazuza canta: Ideología TV O Globo:


 

Documento de la TV Brasileña, noticia de la muerte de Cazuza:

Dananana… What?

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Foto tomada de http://www.myspace.com/dananananaykroyd

Foto tomada de http://www.myspace.com/dananananaykroyd

Por Jorge Durán.

Nueva semana, nuevo texto; pero antes que nada una disculpa. ¿Nunca les ha pasado qué tienen mucho estrés y sólo quieren destruir todo? Aventar las cosas, desquitarse, sacar lo que nos agobia. Pues eso fue lo que me pasó: tuve que lidiar con un enemigo mortal; un examen de reposición. Pero, Dananananaykroyd vino a mi rescate y fue un catalizador, una ayuda que llegó a decirme:

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Caminando por la ciudad

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Edificio Abandonado (2011), Foto de Martha Vivar Coyotl para Neotraba

Edificio Abandonado (2011), Foto de Martha Vivar Coyotl para Neotraba

 

 

Edificio Abandonado II (2011), Foto de Martha Vivar Coyotl

Edificio Abandonado II (2011), Foto de Martha Vivar Coyotl

 

 

Edificio Abandonado III (2011), Foto de Martha Vivar Coyotl

Edificio Abandonado III (2011), Foto de Martha Vivar Coyotl

 

 

Edificio Abandonado IV (2011), Foto de Martha Vivar Coyotl

Edificio Abandonado IV (2011), Foto de Martha Vivar Coyotl

 

 

Edificio Abandonado V (2011), Foto de Martha Vivar Coyotl

Edificio Abandonado V (2011), Foto de Martha Vivar Coyotl

 

 

Edificio Abandonado VI (2011), Foto de Martha Vivar Coyotl

Edificio Abandonado VI (2011), Foto de Martha Vivar Coyotl

 

 

Edificio Abandonado VII (2011), Foto de Martha Vivar Coyotl

Edificio Abandonado VII (2011), Foto de Martha Vivar Coyotl

 

 

Edificio Abandonado VIII (2011), Foto de Martha Vivar Coyotl

Edificio Abandonado VIII (2011), Foto de Martha Vivar Coyotl

 

 

Edificio Abandonado IX (2011), Foto de Martha Vivar Coyotl

Edificio Abandonado IX (2011), Foto de Martha Vivar Coyotl

 

 

Edificio Abandonado X (2011), Foto de Martha Vivar Coyotl

Edificio Abandonado X (2011), Foto de Martha Vivar Coyotl

 

 

Por Martha Vivar Coyotl

2 amigos y yo caminamos por el boulevard 5 de mayo. Vimos una puerta abierta, cerca de la facultad de psicología, decidimos entrar a ver que había.

He oído que los vagabundos solían dormir ahí, se acomodaban en donde fuese, pero un día alguien les cerró -me imagino que fue el dueño del edificio- y duró mucho tiempo cerrado.

Hasta este momento no sabemos quién abrió de nuevo.

Salimos vivos.

Modular

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Modular

Modular

Por El Pulpo Variete

 

Banda con una estética “espacial” que parece haber salido de alguna película de ciencia ficción de los sesenta, podemos encontrarle cierta interacción con su música, que se atreve a realizar una extraña mezcla de diferentes sonidos y épocas, por un lado tiene algo electro pop y por otro destellos de psicodélica onda San Francisco, mas la intervención de su trompetista que lo toma a uno por sorpresa. Desde el año 2003 vienen editando discos, su último trabajo es “Fantasías de un Robot Psicodélico” (2009) editado por Elefant records. Formaron parte del tributo argentino a la Velvet Underground and Nico, haciendo una fantástica versión de “Femme fatal”.

Una gran agrupación de lo mas interesante de esta nueva década por acá.

www.myspace.com/modulantes

modular.com.ar

 

El Pulpo Variete habita en: http://pulpovariete.blogspot.com/

Bluedetmon por Khristian Muñoz de Cote

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"Transgenic rabbit", 2010, Foto de Khris Muñoz de Cote

"Transgenic rabbit", 2010, Foto de Khris Muñoz de Cote

 

"Transgenic rabbit", 2010

"Transgenic rabbit", 2010 Foto de Khristian Muñoz de Cote

 

 

 

"Transgenic rabbit", 2010

"Transgenic rabbit", 2010, Foto de Khristian Muñoz de Cote

"Transgenic rabbit", 2010

"Transgenic rabbit", 2010, Foto de Khristian Muñoz de Cote

 

 

Transgenic rabbit, 2010, de Khristian Muñoz de Cote.

Ensable de huesos confitados: columna de perro, pelvis de gato y mandibula de carnero.

Técnica mixta (70 cm de largo por 15 cm de alto)

Expuesta el la galeria central de La Esmeralda.

Es parte de la serie bubble dead.

 

¿Quién es Khristian Muñoz de Cote?

Tengo un humor negro que es de de colores

Para mí no existe arte sin intención y  yo no creo en el unicornio azul, fui una niña de diarios ocultos y es evidente en mi necesidad de poder tocar mis memorias.

Tengo la convicción de que el trabajo artístico se debe sostener por la sinceridad, y el compromiso, sin embargo no creo que por esto mi producción deba tener una estructura rígida y solemne creo que el humor, el sarcasmo, y la burla son componentes de  mi personalidad y por tanto mi producción artística.

Actualmente el elemento más importante de mi obra es el rastro como un elemento de memoria, y por tanto un detonador  de contextos, es un punto clave en mi forma de trabajar encontrar el rastro, el vestigio o la reliquia de alguna cosa o situación para después transformarlo, regularmente en lo opuesto o  trasladarlo a la delgada línea del choque.

Por otra parte, mi obra aborda la memoria de una forma autobiográfica trasladar mis historias o vivencias de la poética o el chiste , dentro de esto a veces  coqueteo con ciertos conceptos como la inocencia, el pudor, el erotismo, el dolor, la pornografía, la imagen de lolita, el sexo, la seducción, lo grotesco, el miedo, lo excitante, lo repugnante, la intimidad, el anhelo, el viaje, el desencanto y la magia .

Musica de los suburbios: The Suburbs de Arcade Fire

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Portada The Suburbs

Portada The Suburbs

 

Por José Luis Dávila

 

The Suburbs, el tercer disco de estudio de Arcade Fire, fue lanzado el 2 de agosto del año pasado. Se pensaba que sería difícil superar la producción anterior (Neon Bible, 2007) pues habían llegado a la cúspide de su creatividad en cuanto a la mezcla de sonidos y la incorporación de instrumentos no muy frecuentes en las bandas de Indie rock, sumado a lo anterior estaban las letras con tintes de crítica social que expresan el desencanto ante la posmodernidad. Sin embargo, la banda —fundada por Win Butler y Régine Chassagne— ha demostrado lo contrario pues formó parte de las listas de los mejores discos de 2010, encabezando varias de ellas y superando a los álbumes de bandas como LCD Soundsystem, Vampire Weekend, Kings Of Leon, The National, Editors, Gorillaz, Ok Go y The Flaming Lips, entre otras.

Pero, ¿qué tiene para ofrecer The Suburbs? En retrospectiva, desde la salida al mercado de Funeral (2004), primer disco de la banda, el éxito fue brutal debido entre otras cosas, a la armonía que lograban en cada pieza así cómo al innovador modo de dar conciertos, en donde los integrantes cambiaban de instrumento entre tema y tema;  incluso poco tiempo después, David Bowie grabó con ellos un EP en vivo. Luego, con el mencionado Neon Bible y el DVD Miror Noir —en el que se muestra el proceso de producción del disco y gran parte de la gira para promocionarlo—  su popularidad aumenta y sus canciones parecen inmejorables. En este punto es donde se comienza a creer que lo que viniese en trabajos futuros no sería comparable a canciones como “Rebellion(Lies)”, “Wake up” o “No cars go”. Y, entonces, viene The suburbs.

En este nuevo disco, integrado por dieciséis temas,  escuchamos un Arcade Fire entre vital y melancólico: nostálgico ante las vista del pasado, receloso del tiempo que se ha ido. Todo bajo el concepto de los suburbios y la vida que se desenvuelve en ellos, los recuerdos de la niñez y de las personas que no se han visto en años.

 

Arcade Fire

Arcade Fire

Desde la primera canción nos vemos transportados a un espacio distinto a través de la música, un espacio en el que el sonido es joven, en el que la simpleza del riff se contrapone a una letra desesperanzadora y a la voz que se agudiza en el coro. Durante una hora con cuatro minutos y seis segundos todo es un subir y bajar de emociones. Más adelante, en “Rococo”, denuncian la pérdida de esa niñez ingenua ante la voracidad de la cultura de masas; “Month of may” nos recuerda al punk de los ochentas y deja ver una faceta más agresiva de la banda; por otro lado, “We used to wait” es un tema de introspección sobre lo que nos hace cambiar y sobre lo que queda intacto en nosotros, puro de entre todo lo que nos contamina. Casi al final llega un poco de luz, en “Sprawl II (Mountains Beyond Mountains)”, canción en la que nos damos cuenta de que siempre cargamos nuestro barrio, nuestra historia va donde vayamos sea porque el mundo es tan pequeño —ese barrio es todo nuestro mundo—, o porque el mundo es tan grande que sólo alcanzamos a conocer una minima parte de la que nos apropiamos y llamamos nuestra para sentirnos más seguros.

 

Basta prestar un poco de atención para que la sensibilidad despierte y encontrar uno de los discos conceptuales más fascinantes que se hayan producido recientemente.

Por el momento es imposible asegurar que éste vaya a ser su mejor trabajo, pero es indudable que con The suburbs, Arcade Fire ha alcanzado un nuevo grado estético, un estilo que se queda grabado en quien lo escucha y un reconocimiento mundial como una de las grandes bandas de los últimos años.

Al Principio del Agua. Un Acercamiento a la Poesia de Elsa Lopez

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Elsa López

Elsa López

 

 

Por Antonio Arroyo Silva

 

Esa Avenida Marítima de Santa Cruz de la Palma ha tejido cientos de mitologías. El omnipresente bar “El Faro” de tertulias y encuentros que el tiempo y la crisis han borrado de sus paseos. Muchas veces estuve sentado ahí tomando una cerveza y contemplando cómo el mar se imponía con fuerza al pequeño malecón que imaginamos similar en miniatura al célebre de La Habana, donde los grandes poetas se sentaron a imaginar otros malecones y otros trasiegos.

Un día de esos que mi leyenda particular ha ido hilando y pespuntando en el recuerdo, un buen amigo me dijo que llevara mis poemas y que lo esperara allí sentado, como siempre, pues me iba a presentar a una persona especial que iba a leerlos con el mismo entusiasmo que él me demostraba. Yo, por ese entonces, no tenía mucha fe en lo que escribía. Siempre me quedaba en el paladar un regusto a falta de sal o de azúcar. Sabía muy bien que el tiempo y la vida me iban a proporcionar esos ingredientes y, de hecho, ya empezaba a atisbarlos en un puñado de versos. Sin embargo, siempre siguiendo los buenos consejos de mi amigo, acudí. Allí estaba con la persona que iba a conocer, persona familiar que andaba por las calles de la ciudad como si fuera su casa. Incluso era profesora de Literatura del Instituto donde hice el Bachillerato: el “Alonso Pérez Díaz”.

Era Elsa López. Tengo una sensación de calidez y bienestar cuando evoco ese encuentro. No sé definirlo: su voz, su respiración acompasada y llena de ternura… Por supuesto que leyó mi manuscrito. Y hablamos, hablamos. A mí nunca me han gustado los halagos complacientes, de hecho mi sentido de la ética siempre me ha hecho ver la verdad detrás de las palabras. Lo que sí me halagó entonces fue la sinceridad de mi nueva amiga.

Quizás ése sea la verdadera intención de la poesía: hacer que la palabra sea el epicentro de una energía arrolladora y positiva independientemente de su forma más o menos literaria y sujeta a tendencias y cánones.

 

Es más, cuando lo segundo supera a lo primero, la palabra calla o chirría para no decir siquiera el silencio. Ella me dijo lo que mi sangre ya sabía sin bien saberlo: no temas derramar tu vida en el poema. No el trazo de la lluvia que viste las alas vacías como ámbar amarillo de luz que se clavara de improviso en la rosa como espinas de esa rosa vital que tiene sangre de río en sus entrañas de papel. No eso, sino al contrario: no llenar la vida de tinta, sino de palabras vividas como espinas que puncen o pétalos que desbocan. No sabe Elsa el bien que me hicieron sus palabras. Esa espina que yo imaginaba clavada en el albor de la página y que la hacía sangrar ámbar de luz era la misma que el tiempo  ha clavado en mi propia carne. Esto Elsa entonces lo sabía: tan grande su espina como su amor a la literatura, o, sencillamente, al amor mismo.

Es precisamente éste un tema central, un vórtice de la poesía de Elsa López. En esos tiempos que corrían entonces y en éstos que corren ahora, hablar del amor en poesía pareciera una aventura trillada, desgastada o incluso una involución en la marcha de la literatura. Se dice que todo está dicho bajo el sol, pero no es así. Si acaso todo está escrito, reescrito, institucionalizado y caducado, todo lo que se ha quedado en fórmulas y estereotipos. Todo no está dicho si consideramos que las fuentes de la poesía emanan de su coloquialismo y su balbuceo. Cuando una poeta es consciente de este principio, ya no le importan las modas ni las críticas. Ha hallado su voz con la fuerza del huracán, ése que arrasará con todo lo superficial.

No el amor a secas, un amor que regresa con el verso impregnado del olor, el sabor, el tintineo y el crepitar de los objetos y lugares que rodearon el acto mismo del amor. También el temor a la pérdida del ser amado y aún más. El temor a lo desconocido tras ese momento, el miedo al fin o a un comienzo sin saber hasta dónde y sin tener la llave de esa puerta que se abre a la luz. Dicho con otras palabras: la destrucción o el amor, pero vistos desde la piel de una mujer que siente y sabe verter o inaugurar ese sentimiento sobre la piel del poema. En Inevitable océano, de 1982, el primer poemario de Elsa López ya se atisba claramente la incertidumbre que produce el amor a pesar de poseerlo

Te he querido, tú bien lo sabes.

Te he querido y te quiero

a pesar de ese hilo de luto que me hilvana

al filo de la tarde.

Y tengo miedo.

De la lluvia, del pájaro de nubes,

del silencio que llevo conmigo a todas partes.

Tengo miedo a la noche,

a quedarme encerrada entre alambres del sueño,

a la palabra olvido

y a tus brazos en forma de barrotes dorados.

 

Miedo a recorrer la casa y saberla vacía,

o a quererte, de nuevo, mucho mejor que antes.

No me abandones en esta larga ausencia.

Recuerda lo que he sido para ti otros inviernos:

el tiempo de querernos indefinidamente,

el mar,

los barcos que llegaban sin muertos a la orilla,

el ruido de las olas al fondo de la casa.

Y el viento,

recuerda el viento, amor, doblando las esquinas.

 

Esa no certeza es precisamente lo que le da fuerza poética a su primer poemario. Además, nos encontramos con una poeta que domina a la perfección los materiales que le dan forma a esa expresión. Véase el uso de los tiempos verbales, entre una acción acabada y la misma en transcurso lo cual hace que se mantenga el ritmo de esa duda y mantiene en suspenso al lector. La perplejidad en la sintaxis. Al final, esa duda más bien parece existencial, pero quién sabe.

Mujer que ama y duda y vuelve a creer. Mujer que necesita definirse y reafirmarse, fundarse en el texto, desde esa penumbra que ha sido la vida de la mujer histórica. No sólo la autora, el sujeto poético femenino y, si se quiere feminista, ha de transformar el paisaje institucionalizado por el hombre y ha de llenarlo con su respiración y su sentir. Y el mar, el mar siempre presente en nuestra literatura. La mujer que se asoma al balcón a oler el mar, a respirar la maresía. Lo que Balbuena Prat definió como sentimiento del mar se hace concreto en la mujer que lo percibe quizás como su espacio de sueños y escape del marasmo, su opuesto. Sin Ulises posible con tapones de cera en los oídos para no escuchar su canto. Alfonsina Storni, Juana de Ibarbourou, Gabriela Mistral, Josefina de la Torre, Pino Ojeda… todas ellas acompañan a Elsa en su penumbra de ser mujer y poeta: penumbra iluminada por dentro que sólo pide un poco de ternura. Decirlo de tantas maneras sabiendo que en el mundo que les tocó vivir a lo largo de la historia, las ha desposeído de algo quién sabe qué, y quizás sólo el poema les devolverá.

 

Ha averiguado el nombre que le ha correspondido

y se define ausente, exiliada del sueño,

emigrante, perpleja, desgajada,

sin billete de vuelta.

 

Se declara sin fuerzas

y pide con vergüenza un poco de ternura.

Que le devuelvan, por favor, el mar.

Penumbra (1985)

 

Dice Jorge Rodríguez Padrón en su artículo “El barco de la luna. Clave femenina de la poesía hispanoamericana(1) que en la mujer-poeta no existe otro propósito que el atrevimiento, sin conocer lo que le espera al final. Y esto viene muy a propósito de la poesía de Elsa López, es una constante, un leiv motiv. Atravesar lo oscuro sólo con la lámpara de su voz y perderse en su penumbra no es temor, sino impulso natural. Se establece, de esta manera, una diferencia dialogante no sólo con la literatura del hombre, sino con el sistema mismo de percepción masculina que regenta el sistema de valores patriarcales. Así se instala una manera distinta de poetizar, con una conciencia total y absoluta de los riesgos que corre y asume su condición fronteriza en medio de las fuerzas centrífugas contrarias. Fuerzas que han dejado de lado a la mujer. La cuestión, entonces, es fundar este impulso en el lenguaje desde esa condición fronteriza antes aludida.

 

Desorden, sinrazón, duda pasan a ser los principios de una visión poética que oscila entre lo objetivo y lo subjetivo, no del referente, sino del supuesto yo poético que ya prefigura su destino: la locura  o la muerte, la destrucción o el amor, incluso ambos al unísono.

La pretensión de querer tener razón desvía el pensamiento y lo convierte en una rígida estatuaria mental –decía el poeta argentino Roberto Juarroz (2). En cambio, contenerse en la llamada sinrazón permite vislumbrar otros territorios más fértiles de la creación humana pues llevan a una noción de razón más absoluta, más real. El orden, la razón y la certeza no son buenas herramientas a las que recurrir. Ya lo ha hecho el hombre. Nuestra poeta lo sabe, no sólo por su (digamos) instinto creador, sino porque en su fuero interno lee que ese orden establecido no es el huracán que siente por dentro como mujer. Intuye que la realidad que quiere y necesita instaurar en su poema no es materia de la razón antropocéntrica, sino de la conjunción de todos los sentidos (internos y externos), de su comunión. No Polifemo, sino Ariadna.

 

Cuando tu lengua escarba mi cuerpo lacerado

que fue tan sólo tuyo durante un tiempo espeso,

inmortal y perfecto.

Entonces tú terminas y yo comienzo a amarte.

El amor imperfecto (1987)

 

Y como Ariadna, poeta que conduce a Teseo a los montes de un mar (su mar) sin minotauros. Un amor realmente inexplorado por el hombre, cuyo sextante sólo puede poseerlo Afrodita que se funde con todos los elementos de la naturaleza y que transforma en naturaleza a la mujer. “Manifiesto”:

 

Hoy declara que os ama porque oléis a madera,

porque habéis socavado en su cuerpo una brecha

por donde corren ríos

y vienen a romperse los cristales del sueño.

Las palabras son vuestras

y son vuestras las manos y el miedo que sostienen.

Y son vuestros los nombres

y la pena que lleva por dentro de la sangre.

Son vuestros el paisaje que guarda en la mirada

y el que tiene plantado delante de la casa,

el mar, los aguacates,

y esos amaneceres que esconde en la cocina

y enseña algunas veces tan sólo a quienes ama.

La fajana oscura (1990)

 

Como la poeta brasileña Hilda Hilst (3), Elsa López habla desde una orfandad de las palabras, ya que, como siempre ocurre y ya casi he apuntado anteriormente, el lenguaje que le tocó aprender y aprehender a la mujer no contiene y, a veces, no respalda lo que ese yo femenino se atreve a decir, pues sólo nombran el afuera. De ahí ese acercamiento a una suerte de misticismo y despojamiento de la vida mundana que hace que en Hilda Hilst se resuelva planteándose el sentido de la muerte y llegando al verdadero sentido de la vida fundiéndose con la naturaleza.

 

Descansa.

El hombre ya se hizo

el oscuro ciego rabioso animal

que pretendías.

Hilda Hilst, Amavisse (1989) Trad. Leo Lobos.

 

No el descanso del guerrero, sino de la guerrera, la diosa madre. En cambio. Elsa López opta por una posible reconciliación con el amor del hombre, o, más bien, no renuncia en su tarea de búsqueda de ese amor ideal.

 

El que se arroja al agua con su cuerpo magnífico

y luego deja gotear el mar por sus caderas y las mías

como una prueba incontestable de perfección y afecto.

Aquel que me sonríe

desde la hilera mágica de su terrible boca,

inocente guerrero,

putrefacto montón de espléndida hermosura,

el único que sabe cómo he perdido la batalla

y por eso me observa, todavía,

con una cierta sombra de dulzura.

El que arrastra mi cuerpo por el campo de batalla

despedazado el tronco y la plateada cabellera,

y aún tiene conmigo la deliciosa costumbre

de besarme los pies,

ese es el que amo.

Cementerio de elefantes (1993)

 

He aquí la posibilidad del encuentro con esa esquina del paraíso llamada Amor, donde el uno no entorpece la presencia de la otra, donde sólo el silencio puede crear ese diálogo constante. Silencio de una isla- mujer, que aspira más bien a un amor terreno pero transcendental de ese sentir aquí en el poema y en su carne viva.

Sujeto femenino que dentro de su idealismo sabe bajar a la realidad circundante de lo rutinario e imponer sus dulces y sensitivas reglas al receptor amado, a veces de forma rotunda:

 

Me importan un carajo las mareas,

el aire que respiras

y ese montón de hormigas

que pisas al mirarme.

(A mí lo que me importan son tus piernas,

el tono algo inquietante de tu melancolía

y esa forma que tienes de quererme

cuando estás frente al mundo)

Al final del agua (1993)

 

Muchos poemarios y poemas llenos de matices y diálogos con otros mundos y otras mujeres. Activismo el de Elsa que va más allá del poema mismo, que hace, deshace e investiga todos los recovecos del espíritu femenino a través de la historia y la memoria y que la hacen acudir al ensayo antropológico y a la narración.

Muchos temas se manifiestan con fuerza y vigor en la poesía de Elsa López, temas que le dan ese toque singular a su condición insular con ansias de universalidad más allá de la balconada que mira al mar.

Hace mucho tiempo me encontré con Elsa y aún resuena su voz en mis tímpanos a la hora de escribir esta semblanza-reseña o como quieran llamarla. Desde luego, no me inspira el espíritu academicista que tenía como una fina capa sobre mi piel por ese entonces tan lejano y que tanto Elsa López como otros queridos amigos y compañeros contribuyeron a espantar. Nunca me pongo tapones de cera ni me ato al mástil de mi nave cuando emprendo una singladura, y menos cuando el final de ese viaje es la ilusión por llegar a la isla, sabiendo que en ese ahí no hay descanso y que llegaremos con el arco astillado; pero llenos de humanidad y con la fuerza del asombro en nuestros huesos.

Como dice Hilda Hilst en uno de sus poemas visionarios pertenecientes a Pequenos funerais ao poeta Carlos Maria de Araújo,

 

Tu sueño no es un sueño común.

Extiendes la vigilia

Y aprendes a través de la oscuridad.

También así

El mar reposa.

Hilsa Hilst (trad. Leo Lobos)

 

 

 

NOTAS:

(1) Jorge Rodríguez Padrón, “El barco de la luna. Clave femenina de la poesía hispanoamericana.” Fundación para la Cultura, Caracas, 2005.

(2) Roberto Juarroz, Casi Razón, de Poesía Vertical.

(3) Para este acercamiento entre la poesía de Hilda Hilst y Elsa López he utilizado con el permiso debido las traducciones que el poeta y artista visual Leo Lobos realizó de la poeta brasileña Hilda Hilst (1930-2002) en la universidad de Campinas y que figuran en los archivos de Proyecto Patrimonio de la Universidad de Chile. El que escribe no tiene noticia de otra traducción al castellano de la poeta brasileña y por ello le corresponde a Leo Lobos el honor de traernos a la luz de nuestro idioma la poesía de Hilda Hilst.