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Ojo Líbido

Prometeo

Posted on by Átomo Durán. Posted in Ojo Líbido | 2 Comments
Prometeo. Imagen tomada de The Geek Rebellion.

Prometeo. Imagen tomada de The Geek Rebellion.

Por Iván Farías.

La imagen es poderosa. Luego de un recorrido a vuelo de pájaro por idílicos y virginales parajes aparece la sombra de una enorme nave espacial  de forma circular. Luego, a la orilla de un risco, con una cascada a pocos metros está un hombre de piel blanca y de cuerpo musculoso quien se suicida luego de beberse un líquido negro. Ridley Scott siempre ha sido un esteta que tiene altibajos en sus historias y esta obra no es la excepción. Prometheus comienza muy bien pero acaba por dejarnos con una sensación de vacio, de que acabamos de comer algo de una belleza enorme pero insípido.

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El volado de Carlos Bolado

Posted on by Oscar Alarcon Posted in Fotografia, Ojo Líbido | Leave a comment
Cine y Sangre, manipulación digital de Óscar Alarcón para Neotraba

Cine y Sangre, manipulación digital de Óscar Alarcón para Neotraba

Por Iván Farías

El cine político en nuestro país se hace, a pesar de que sea poco y tenga muchos detractores. Nace de la necesidad de mostrar en imágenes lo que la realidad nos escupe a la cara. En el cine silente nacional ya existía “La banda del automóvil gris” (1919), aquella que mezclaba pietaje real con ficción. La cinta trataba de un grupo de soldados protegidos por los altos mandos militares que asaltaban a mansalva a abordo del auto del título.

La revolución mexicana fue el gran tema del cine nacional una vez que el PNR, posteriormente PRI, sentó sus reales. La consigna fue idealizarla, darle un corpus lógico, ya que “la bola” simplemente fue la revoltura del río para que los líderes gandallas justificaran sus puestos. En “Vamos con Pancho Villa” (1936) de Fernando de Fuentes, la revolución se muestra cruenta y caótica, los revolucionarios impolutos sacan su salvajismo. La cinta, primero enlatada y posteriormente con el final censurado, ha sido de las más boicoteadas por el régimen priista. Sigue leyendo

Impronunciable

Posted on by Oscar Alarcon Posted in Neotraba, Ojo Líbido | Leave a comment
Arnold T800, manipulación digital de Óscar Alarcón para Neotraba

Arnold T800, manipulación digital de Óscar Alarcón para Neotraba

Por Iván Farías

En la larga lista de películas de ciencia ficción de culto, existen cuando menos dos nombres que se repiten, uno de ellos es Charlton Heston y el otro, por supuesto, Arnold Schwarzenegger. Ambos de derecha, ambos héroes por antonomasia, ambos malos actores, en especial el austriaco, que a pesar de los años sigue teniendo un acento terrible, que lo nota hasta el que menos sabe del idioma inglés.

Heston ha protagonizado Soylent Green, conocida en nuestro país como Cuando el destino nos alcance (USA, 1973) y El planeta de los simios (USA, 1968). Entre muchas otras de desastres que lo convirtieron en el héroe bíblico que promueve el uso de las armas y la desaparición de los inmigrantes.

El caso de Schwarzenegger es peculiar, porque es un inmigrante, que lo único que tenía al llegar era un cuerpo tallado en el gimnasio, un rudo acento alemán y muchas ganas de sobresalir.

“El comienzo fue muy difícil para mí. Me dijeron los agentes y en los casting que mi cuerpo era muy extraño y que tenía un acento gracioso y que mi nombre era muy largo. Me dijeron que tenía que cambiarlo. Básicamente, en cualquier sitio que me presentaba, me decían que no tenía ninguna oportunidad.” Sigue leyendo

Ataque Zombi

Posted on by Átomo Durán. Posted in Neotraba, Ojo Líbido | Leave a comment
"Santo contra los zombies" imagen manipulada por Cyanuro para Neotraba.

"Santo contra los zombies" imagen manipulada por Cyanuro para Neotraba.

 

Por Iván Farías

A pesar de que de unos años a la fecha el zombi se ha topado de improviso con  una fama que lo ha llevado hasta ser un éxito en la televisión, este monstruo ha estado entre la filmografía mundial desde hace ya varios años. White zombie (USA-1934), es la que podríamos considerar la primera de su género, aunque el Gabinete del Doctor Caligari nos ofrece ya unos años antes un cadáver que es utilizado por el desalmado doctor errante para perpetrar asesinatos.

En esta primera etapa del cine de muertos vivientes, las costumbres venidas de Haití eran lo que causaban miedo. Es decir, el occidental racional contra las culturas de tradición tribal. Los cadáveres revivían merced a una maldición ancestral que perpetraban esas civilizaciones premodernas. Pero es hasta que aparece el director de origen cubano, George A. Romero, que el zombi se vuelve completamente contemporáneo.

Romero dotaría a sus monstruos de un origen incierto, pero que los mismos personajes adivinarían producto de la civilización. La imagen de cientos de cadáveres comprando después de muertos en un centro comercial dotaría a los zombis de una visión social poco vista hasta esa fecha. No por nada, como dice el ensayista norteamericano Sam Leith,  nos daríamos cuenta que los zombis son de izquierda y los vampiros de derecha. Es decir, los vampiros aristócratas, que escogen a quien ofrecerle el don de su mordida contra las masas de cadáveres que infectan a su paso todo.

"Zombie attack", imagen manipulada por Cyanuro para Neotraba.

"Zombie attack", imagen manipulada por Cyanuro para Neotraba.

Romero con Dawn of the dead (USA-1978) desataría la ambición de productores de todas partes del mundo por obtener una dentellada de dinero y comenzarían hacer películas sobre el género. Claro, muy pocas tendrían los guiños de crítica social que Romero impregna a sus obras, pero funcionarían muy bien taquilla.

Españoles, italianos y orientales harían sus propios cadáveres ambulantes. Una de las que pasaron sin pena ni gloria, pero que gracias a la televisión han tomado el estatus de culto, es aquella donde Hugo Stiglitz es el protagonista. Nigthmare City (España-Italia-1980) es una cinta con dosis de sexo y gore a partes iguales. Un avión repleto de cadáveres desciende del cielo y aterroriza a una ciudad que suponemos está en Estados Unidos. Lo más terrorífico de todo es que el personaje de Stiglitz despierta de una pesadilla, para darse cuenta que el sueño solo fue premonición del apocalipsis que se viene.

René Cardona también aprovecho el filón de la primera cinta de Romero y filmaría La invasión de los Muertos (Mexico-1973) con el tándem conformado por el escapista Zoveck y el luchador Blue Demon. Es una producción con tantas fallas técnicas, con precarios maquillajes y un prologo milenarista y moralizante, que la dotan de un cierto candor.

Los españoles, con Amando de Osorio a la cabeza, brindarían una franquicia de muertos vivientes que sería muy recordada por sus paisanos. La noche del Terror Ciego (España-Portugal-1971), pondría a una legión de templarios, a los que la inquisición les quitó los ojos, a buscar víctimas jóvenes para seguir con sus rituales de inmortalidad. Este trabajo vería tres continuaciones más, conformando la tetralogía más recordada de este director.

El francés y recientemente fallecido Jean Rolling, brinda su particular versión de los zombis en Las uvas de la Muerte (Francia-1978). La trama es simple, un viñedo contaminado vuelve a los tranquilos campesinos de una campiña en cadáveres vivientes sedientos de sangre.

Pero es el noruego Tommy Wirkola quien brinda el justo homenaje en clave de comedia a este tipo de películas, como antes ya lo había la inglesa Shaun of the dead. En Dead Snow (Noruega-2008) se mezclan dos de las obsesiones de la explotación cinematográfica: los nazis y los zombis. La película es un homenaje al cine de terror de los setentas y ochentas, con muchos guiños dirigidos a los fans más acérrimos del género. No se toma en serio y se deja ver con una enorme sonrisa en el rostro.

Los zombis continuaran su paso ganador por la cultura pop de estos días. Tan es así que dentro de pocos meses la serie web Distrito Mictlán, de producción mexicana, se estrenaré en Youtube. Sí, zombis en el metro del DF.

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Espada y Hechiceria

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Espada y Hechicería, manipulación digital de Óscar Alarcón para Neotraba

Espada y Hechicería, manipulación digital de Óscar Alarcón para Neotraba

Por Iván Farías

Hace no mucho una revista literaria en Inglaterra lanzó una encuesta en la que le pedía a los lectores dieran la lista de sus escritores más queridos. No, de ninguna manera punteó a la cabeza Oscar Wilde, ni Dickens, ni siquiera el ladrillazo somnoliento de Joyce, el ganador absoluto fue J.R.R. Tolkien. Quien hasta antes de de las increíbles películas realizadas por Peter Jackson era un autor de poca difusión masiva. Claro, los intelectuales de siempre se infartaron y se condolieron por lo “mal que leían sus compatriotas”. Pero, me pregunto, qué le verían de censurable que una novela tan compleja, llena de matices, profunda y a la vez divertida fuera la preferida de millones de lectores en el Reino Unido. Nada, solo que la trama era de fantasía épica, o de espada y hechicería, es decir un subgénero.

Para los intelectuales cuadrados el hecho de que se ubicara en un sitio utópico, como la Tierra Media, que hubiera enanos, elfos y orcos, demerita los planteamientos que mueven la novela en general y las películas que en ellas están basadas. En un principio El señor de los anillos habla sobre el poder como corruptor de todo, sobre la ambición, peor también sobre la amistad y la fraternidad. A caso el poder que confiere el anillo no deforma y propicia traiciones y asesinatos, incluso fraternos.

La fantasía, el terror, la ciencia ficción son denostados porque dicen los intelectuales (escritores enfadosos) que se produce mucha basura. ¿Pero acaso en la poesía, y el cuento “normal” no hay también mucha porquería? ¿O no mucho de lo que se publica en los fondos editoriales de los estados debería mejor irse directamente a la trituradora?

J.R.R. Tolkien tardó varios años para crear de la nada todo un mundo, incluyendo lenguajes y fiestas de cada raza del libro. A diferencia de él, Robert E. Howard retomó civilizaciones ancestrales para dar un complejo contexto a sus dos héroes más conocidos Kull de Atlantis y Conan el Cimeriano. Ambos son seres que viven en un mundo medieval idealizado, donde la magia es verdadera.

Conan, en especial, es el más recordado por las distintas aventuras que vive su personaje, lo mismo por su abrupta bienvenida a la madurez (un despiadado monarca asesina a toda su aldea), que por su recorrido como bucanero en los mares hasta llegar a ser uno de los reyes más recordados de su tiempo. Howard era un lector confeso de literatura medieval. Uno puede desvelar entre sus páginas como mezcla sus conocimientos históricos con el dramatismo sangriento de sus héroes.

Fafhrd y el Ratonero Gris es una pareja de aventureros creados por Fritz Leiber que, a diferencia de los otros dos escritores citados, permea más de humor a sus personajes. Ambos se meten en problemas en una especie de tierra medieval llamada Nehwon. Sus personajes luego fueron retomados para crear Calabozos y Dragones, el juego de rol que fue replicado de mil y un formas.

A fin de cuentas, la fantasía heroica habla sobre lo mismo que habla la literatura “alta”, de los problemas humanos, de sus sentimientos y quiebres. Solo que en lugar de ser personajes reconocibles, aquí se disfrazan para no tomarnos tan en serio.

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Imagenes Sicalipticas

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Imágenes Sicalípticas, manipulación digital de Óscar Alarcón

Imágenes Sicalípticas, manipulación digital de Óscar Alarcón

 

Por Iván Farías

El cine pornográfico nació al mismo tiempo que el convencional. No es culpa de los “tiempos terribles” que vivimos ahora o de la “falta de valores de la sociedad actual”, es simplemente producto del deseo carnal. La pornografía ha estado en la humanidad desde hace ya muchos siglos, ya sea por medio de dibujos procaces o de grabados sicalípticos. La edición en español de La Perla, un clásico de la literatura pornográfica, contenía estas delicias venidas de siglos pasados.

Entre sus páginas había reproducciones de antiguos dibujos medievales o litografías con monjas libidinosas formadas frente al diminuto pene de un padre panzón, geishas sufridoras violadas por un pulpo o níveos traseros victorianos cogidos por un señor de impecable mostacho.

El porno cinematográfico nació con “vistas” de prostitutas mostrándose ante la cámara. Pudibundas mujeres desnudándose en atiborrados escenarios con almohadas, cortinas y mullidos sillones. Al principio la imagen saltaba por sus escasos 20 o 24 cuadros por segundo pero el romance entre la inexperta actriz y el soez camarógrafo ya estaba consumado. Eran solo mujeres contratadas para mostrarse sin ningún tipo de gracia. Luego vinieron los primeros pornógrafos con ideas y aquello cambio horrores. Pronto hubo nuevas propuestas para poder “calentar” al público. Público que veía estos breves encuentros sexuales en cualquier bodega o sótano donde se proyectaran. Claro, siempre que no hubiera alguien de la sociedad respetable, para no meterse en problemas.

Aquellas vistas evolucionaron a las grandes películas en 35 mm de los setentas, gracias al gran éxito de Garganta Profunda (USA, 1972) tal vez la película pornográfica más célebre de todos los tiempos, referencia colectiva de hasta el público más neófito. Este garbanzo de a libra hizo que viniera una época de oro en la industria del cine para adultos.

Los productores adquirieron cierto respeto, los directores se posicionaron como cotizados artesanos y los actores tuvieron el gusto de poder recibir premios por sus cachondas actuaciones. Se crearon cines para exhibirlas, un público asiduo las visitaba y hasta ciertas personas open mind llevaban a sus chicas a ver estos productos. La porno había triunfado en el aspecto de prestigio, aunque seguía teniendo el rechazo de la parte más conservadora de Estados Unidos y del resto de los países.

Pero esta luna de miel no duraría mucho. La pornografía abandonaría sus grandes éxitos donde la trama era importante, así como los gemidos de las protagonistas. No más cosas tan inquietantes como Café Flesh, Tras la Puerta Verde o El Diablo en la Señorita Jones. El cine porno se replegaría a sus inicios teniendo que volver a esas vistas de pocos minutos y nula trama. En una primera instancia al videocasete y más tarde al Internet.

 

Dejarían atrás su periodo de glamur y explosión creativa, para volver a la jodidez de una videocámara y filmar sin cortes la puesta en escena de un coito. Digo puesta en escena, porque todos debemos entender y saber que el porno es simplemente el deseo de que el sexo sea enteramente satisfactorio. El porno, como muchos géneros del cine es simple ficción.

 

Actualmente solo la multinacional Private puede darse el lujo de ofrecer producciones enormes filmadas en territorios exóticos, con grandes decorados y actrices provenientes —principalmente— de Europa del Este. Sin lugar a dudas el territorio que más actrices produce.

Películas filmadas en gravedad cero, versiones ficticias de Cleopatra, del Gladiador y parodias de conocidas historias de la televisión. En su serie sobre debutantes las chicas explican a la cámara cómo llegaron a la industria. Esta colección es buenísima para entender cómo la pornografía es vista en otros países como un camino de celebridad y dinero (mucho dinero) fácil en un mundo que vive de la imagen.

Bobaliconas, como Dixie Daytona, pueden ser celebridades millonarias a pesar de su evidente falta de inteligencia, únicamente teniendo un trasero envidiable y una sonrisa perversa.

 

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Una de Vaqueros

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Los Buenos, Malos, Feos y Raros, manipulación digital de Óscar Alarcón

Los Buenos, Malos, Feos y Raros, manipulación digital de Óscar Alarcón

 

Por Iván Farías

 

El saber popular dice que cuando alguien nos cuenta una historia que pretende ser real, pero que por diferentes razones sabemos que es mentira, contestamos que mejor nos cuenten una de vaqueros. En Torreón dicen que una charra, que para el caso es lo mismo. Y es que la gran épica norteamericana ha sido contada en las cintas de vaqueros o westerns de manera exagerada. Esa épica de peregrinos que se enfrentaba al terreno árido y a los indígenas americanos que deseaban defender su tierra del invasor. Irlandeses, alemanes, polacos, y mexicanos mezclados en los polvorientos y precarios pueblos hacinados en Arizona, Texas y parte de California.

El western es el género gringo por antonomasia. El que glorificó a los bragados hombres que decidieron jugarse la vida para poder tener un futuro mejor y colonizar esas tierras sureñas (es decir, joderse a sus legítimos dueños). Es un género que motivo un lenguaje cinematográfico específico. Por ejemplo, la llamada toma americana, que va de los muslos a la cabeza, era para que se pudieran ver las pistolas amarradas a la cintura de los duelistas. Y esas contra tomas aceleradas de una plano general a un close up a los ojos es muy propia del género para crear tensión.

A pesar de que se deja ver desde los inicios del cine mudo, es con John Ford que adquiere carta de naturalización y deja de ser relleno en los cines. Junto a John Wayne hacen una de las parejas más importantes dentro de la época dorada de Hollywood. La Diligencia (USA-1939) marca época por su desarrollo de personajes, por la cara seca de Wayne, por la crudeza de la historia y por las secuencias que luego se volverían moneda corriente en el cine posterior.

El personaje de Ringo, es decir, el cuatrero de alma de oro, vagabundo, obligado a hacerse justica por propia mano, sería retomado por otros cineastas en diferentes formatos. El héroe solitario gringo, que debe romper las reglas para hacer justicia no dejaría de aparecer hasta nuestros días con mejor o peor suerte.

Los westerns de esta época dorada marcarían una generación, la que sufrió la segunda Guerra Mundial o Gran Guerra, y se convertirían en un icono para otros cineastas de lo más disímbolos. Desde Alex de Iglesia hasta Francis Ford Coppola.

En los sesenta se viviría una nueva época de este género, pero en Italia. Debido a la facilidad de hacer películas en Europa, con actores que parecieran norteamericanos, con algún actor que en verdad lo fuera, y ambientada en ciudades cosmopolitas o, como en el caso de los westerns, en los desiertos de Almería.

El amo absoluto de este revival es Sergio Leone, quien con su trilogía del dólar influenció lo mismo a Robert Rodríguez, Alejandro Jodorowsky y Takeshi Miike. Su creación de personajes, la forma en que los desarrolla, sus movimientos de cámaras y la dirección de actores hacen de sus películas piezas maestras. Leone se permite burlarse del género, hablar sobre la avaricia, la estupidez y lo absurdo de la guerra.

Debido al espacio no podemos ahondar en muchas cintas, pero hay varias de esa época que deben de verse con detenimiento como Django (Italia-España 1966) de Sergio Corbucci, La pandilla salvaje (USA-1969) de Peckinman y El topo (México-1970) de Alejandro Jodorowsky.

El género ha querido revivir, con algunos trabajos aislados: Los imperdonables (USA-1992) de Clint Eastwood, Rápida y mortal (USA-1994) de Sam Raimi y claro, la saga de El pistolero de Robert Rodríguez; que son westerns ambientados en la época actual y muy en deuda con el trabajo de Leone. Tarantino anuncia que hará un remake a su manera, claro está, sobre la clásica Django, esa donde un enfebrecido pistolero cargaba un ataúd muy extraño. Y qué decir de ese remake de El Bueno, el Malo y el Feo (Italia, España, Alemania-1966) en versión coreana llamada El bueno, el malo y el Raro (Corea-2008). O Takeshi Miike y su versión de Sukiyaki Western Django (Japón 2007).

 

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Videos Nasties

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Por Iván Farías

 

El cine de bajo presupuesto tiene la característica de que se producía para sacar dinero rápido. Las cintas de Serie B eran las acompañantes perfectas para los programas dobles donde la cinta de alto presupuesto o de serie A, era a la que se promovía con rostros conocidos. En las cintas de serie B, por su misma factura precaria, no recibían las visitas constantes de los productores así que sus creadores tenían manga ancha para realizar lo que quisieran, mientras fueran redituables.

Estas obras marcaron el camino para que pequeñas productoras realizaran sus películas ya entrados en los sesentas, hasta ver la explosión del cine serie B, nastie, chatarra o Z en los setenta y ochentas. La mayoría de estas piezas caían en el género del terror con grandes dosis de sexo. Aunque a veces la hibridación de géneros daba por resultado cintas verdaderamente enfermas y poco vendibles.

 

La Novia Ensangrentada

La Novia Ensangrentada

La irrupción de los italianos y las coproducciones españolas vinieron a darle un toque más que bizarro a este tipo de cine, que igual se alimenta de las peculiares cintas norteamericanas que se hacían en el sur profundo. Este tipo de obras reciben muchos nombres y muchas más clasificaciones, desde psicotrónicas hasta chatarra. Sin embargo, por una convención se les llama simplemente nasties, cuando la crudeza y el sexo forman parte importante de ellas. Son cintas que no son del gusto de todos, que requieren estómagos fuertes y temperamentos pacientes. Por lo mismo, son para una minoría que descubre en la basura joyas imperecederas.

Por eso es loable cuando alguien arriesga dinero y tiempo en reeditar clásicos de este tipo, que no tienen a grandes actores, y sus directores más bien son desconocidos o francamente denostados. Videos Nasties, una pequeña empresa de dos personas, entre ellas el diseñador gráfico e ilustrador de todos los títulos, Guro Chan han decidió arriesgarse y brindar ediciones mexicanas a cintas que nunca salieron editadas en México y si lo hicieron fue bajo la censura. Censura, que como sabemos, mutila las piezas cinematográficas.

 

6 Mujeres para el Asesino

6 Mujeres para el Asesino

Las películas que se encuentran a la de ya en su catálogo son: 6 mujeres para el asesino de Mario Bava, (Italia-1964), una belleza de giallio, donde la tensión se mantiene hasta el último momento.  Devorado vivo de Tobe Hooper, (USA-1977), segunda película del creador de la Matanza de Texas, en donde una especie de Norman Bates sureño pasa a cuchillo y por las fauces de su caimán a los huéspedes de su hotel. La semana del asesino de Eloy de la iglesia, (España-1972). Un tipo de repente se quiebra y comienza a matar sin misericordia. Tremenda película que en su momento fue perseguida por los censores franquistas.

 

La Semana del Asesino

La Semana del Asesino

El pozo y el péndulo de Harald Reinl (Alemania-1967). Una de las adaptaciones de Poe que no se apegan en nada la obra original, solo en el ambiente gótico. Sin embargo, tiene una serie de elementos (vírgenes asesinadas, un conde enloquecido, instrumentos de tortura medieval), que harán la delicia de los espectadores. Por último, Pesadilla en la ciudad contaminada o Incubo sulla citta contaminata o Zombies Radioctivos del bizarro y sexoso Umberto Lenzi, (Italia-1980), cinta explotación del clásico de George A. Romero, donde un grupo de no-muertos desciende de un avión militar para sembrar el terror en una ciudad supuestamente norteamericana. Hugo Stigliz la protagoniza con solvencia; no por nada es de los actores de culto en el orbe.

 

Devorado Vivo

Devorado Vivo

Bien por Videos Nasties que próximamente tendrán en su catálogo Suspiria, El asesino del taladro, No moriré sola (la única latinoamericana) y No se debe profanar el sueño de los muertos.

 

 

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Todas las imágenes aparecen por cortesía de Iván Farías

Cinco Nacos en Irak

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Ojo Líbido

Ojo Líbido

 

Por Iván Farías

 

Las comedias de situaciones parten de un supuesto que de entrada es improbable. Ya sea el cambio de identidad, una confusión o el trasladar un personaje a un sitio que le es ajeno.  Bien llevada la comedia ligera de situaciones puede producir una crítica a los estereotipos reinantes y con ello muchas risas. Por lo que es una lástima que Salvando al soldado Pérez (México-2011) se quede solo en eso, una buena idea.

La idea primaria en donde cinco narcotraficantes arman un comando de rescate para ir a Irak y volver con el hermano del capo mayor es de entrada interesante. El problema viene cuando los del centro quieren resaltar la naqués de los del norte, por el simple hecho de que el narco está de moda.

 

Es que, a pesar de que el proyecto contaba con 56 millones de dólares como presupuesto y un buen cuadro de actores, nunca acaba de cuajar como debería.

 

Los personajes no dejan de ser estereotipados y simplones, los conflictos que se crean no se resuelven del todo y la incursión de Adal Ramones y Jaime Camil  suenan más a truco publicitario que a las ganas de enriquecer la trama con sus personalidades.

Camil, como siempre, se hace insufrible y obligan una vez más a Jesús Ochoa a repetir el personaje de norteño gandalla que ha venido interpretando ya muchas veces. El principal problema de Lemon Films y su dueño Billy Rovzar, es que pretenden emular los blockbuster norteamericanos con supuestas tropicalizaciones de géneros totalmente norteamericanos, con tan mala suerte que ni siquiera caen en la clasificación de churros disfrutables y quedan en solo pretensiones pequeño burguesas.

Una película que se asume en su naqués y su mala factura (es increíble cuantas veces se les va el boom en toda la cinta), pero que produce muchas más risa es Cinco nacos asaltan Las Vegas (México-1987). Lalo “El Mimo”, Luis de Alba, Guillermo Rivas “El Borras”, Sergio Ramos “El Comanche” y Sergio Corona hacen las delicias de chicos y grandes al perpetrar un robo en un casino. Oncean’s Eleven (USA-2001) se queda corta.

 

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Manipulación Digital de la Imagen: Eugenio Amezcua para Neotraba